Stalking Gia shares her new single « Saddest Happy Girl »

Stalking Gia

New single « Saddest Happy Girl »

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Entitled « Saddest Happy Girl », the song is « about having an existential crisis, basically. The pressure of having to succeed, find your life’s purpose, and find a partner in life while keeping up appearances can be daunting. » She continues, « Being the saddest happy girl just means that at the moment nothing particularly bad happened but nothing incredibly amazing did either. It’s this middle ground of peace…relaxing smiling in the sun with an underlining shadow following you of all of the things you’re not. » The riveting alt pop single samples the classic melody of the nursery rhyme « Clementine ».

Stalking Gia is a New York City based artist and platinum selling songwriter. Generating more than 20 million streams and receiving acclaim from

Billboard

,

Noisey

,

Marie Claire

,

Nylon

and more, the singer/songwriter materializes like a specter in the space between online fantasy and Manhattan’s real-life nocturnal glow.

Stalking Gia first came to life via the 2016 single « Second Nature ». Achieving viral success, the track organically tallied 13.2 million Spotify streams and incited a growing buzz. blackbear integrated a sample of “Second Nature” into « Wish U The Best » from his platinum-certified chart-topping 2017 album,

Digital Druglord

. Meanwhile, she maintained her momentum with the single « Siren ». In addition to touring alongside blackbear, she teamed up with him for the song « Miracles », which landed on New Music Friday playlists worldwide and amassed 4.7 million streams and counting.

Stalking Gia then partnered with Epic Records on releases including « The Kindest Thing », a bombastic goodbye anthem, « Astronaut », a Bowie inspired piano ballad, « Worship », an empowering song exploring the theme of self love, and « Blue », her most recent track, which pulls the listener into another world with ethereal soundscapes and a static buzz from a lost connection.

Stalking Gia is now embarking on a new journey and is back to independently self releasing her music. With a recent Tiktok of a demo gaining momentum she just released “saddest happy girl”; a song which samples the famous nursery rhyme “Clementine” in its chorus.

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Ibrahim Maalouf présente son nouveau clip « Money » feat. Erick the Architect

Dernière mise à jour :

5 sept. 2022

Ibrahim Maalouf feat. Erick the Architect

Nouveau clip « Money »

Ecouter – Télécharger

PROCHAIN ALBUM STUDIO

‘CAPACITY TO LOVE’

DISPONIBLE LE 4 NOVEMBRE 2022

Le trompettiste et compositeur multirécompensé Ibrahim Maalouf dévoile aujourd’hui son tout nouveau single ‘Money’, en featuring avec Erick the Architect (Flatbush Zombies, Beast Coast). Ce morceau est le plus récent extrait de son prochain album à venir – son 17e à ce jour – Capacity To Love (dont la sortie est prévue le 4 novembre 2022), sur ce dernier de nombreuses collaborations, incluant De La Soul, D Smoke, Gregory Porter et JP Cooper. Ce nouveau projet suit de près le dernier album d’Ibrahim Maalouf produit avec Angélique Kidjo, Queen of Sheba, un opus acclamé par la critique, comme sa représentation sur scène présentée à guichets fermés au London’s Barbican en juillet. Le single ‘Money’ arrive à point, tout juste avant d’entamer une tournée nord-américaine de 8 dates, débutant à Montréal le 23 septembre prochain, celle-ci s’arrêtera à Québec, Toronto, Boston, New York, Washington, Los Angeles et San Francisco. Streamez ‘Money’ sur toutes les plateformes juste ici, et découvrez le clip officiel du titre disponible ici.

‘Money’ – dénonce un système encourageant l’exploitation de certaines personnes par d’autres, au nom de l’argent – c’est la rencontre du flow percutant d’Erick, auquel s’ajoutent les quarts de ton caractéristiques au style du trompettiste libanais. À propos de sa collaboration avec Erick The Architect, Ibrahim explique:

« Cela faisait plusieurs années que je souhaitais rencontrer Erik. Je suis un grand fan de Flatbush Zombies, et je les écoutais beaucoup. Alors quand j’ai appris que mon label aux États-Unis, Quincy Jones Productions, avait débuté une collaboration avec lui, en tant qu’artiste solo sous le nom Erick the Architect, j’ai profité de l’occasion pour demander à l’équipe de nous organiser quelque chose, pour qu’on puisse être mis en contact. Et un jour, nous nous sommes finalement rencontrés. Je lui ai présenté un morceau et la vision que j’avais en tête. C’était sur le rapport à l’argent et sur le contrôle qu’on croit pouvoir exercer sur les autres quand on en a. J’avais très envie de faire une chanson sur ce thème. L’idée était d’imaginer les gens comme des pions, contrôlés et sous emprise, comme dans le film The Matrix. Erik a tout de suite adoré le concept. »

Erik raconte: « Alors que j’étais à Paris pour un spectacle, j’ai rencontré Ibrahim, pour la première fois, dans son studio, où nous avons fait notre première chanson ensemble. Il y avait une vraie synergie à travailler aux côtés d’Ibrahim, j’ai voulu voir si la magie allait opérer une seconde fois. Il m’a fait écouter l’instrumentale de ce qu’allait devenir “Money” juste après notre deuxième session de studio, tout en m’expliquant un peu l’idée qu’il avait pour le morceau. J’ai adoré son enthousiasme et sa vision — cela m’a tout de suite donné l’inspiration. J’ai écrit notre chanson “Money” du point de vue d’une personne qui croit pouvoir tout contrôler, un peu comme ces gens qui ont beaucoup d’argent (rires). Ma partie préférée du morceau est quand mon flow change à la fin et que cela devient le chaos. Je voulais écrire une chanson comme celle-ci, pour tout ce qu’elle représente. À trop tirer sur la corde, cela peut même se retourner contre toi. »

Né au Liban et ayant grandi en France dans une société de plus en plus polarisée par les enjeux identitaires et migratoires, pour Maalouf son prochain album Capacity To Love est un hymne aux messages inclusifs et réconciliateurs, célébrant une identité commune. Un nouveau chapitre dans la carrière d’Ibrahim explorant l’art, l’innovation, avec pour trame de fond la collaboration à travers la musique et son amour de longue date pour le hip hop. Co-réalisé avec deux jeunes producteurs, NuTone (France) et Henry Was (USA), la guestlist de cet album est aussi bluffante qu’inattendue : Erick The Architect, la nouvelle sensation venue de la Nouvelle Orléans Tank and the Bangas, le phénomène cubain Cimafunk, Sheléa Frazier l’une des plus belles voix au monde et protégée de Quincy Jones, la toute jeune Alemeda récemment signée chez TDE le label historique de Kendrick Lamar, D Smoke le gagnant de « Rythm + Flow » le concours de Rap de Netflix (avec Cardi B, Chance the Rapper, Snoop Dogg, T.I…), en plus du chanteur anglais au succès mondial JP Cooper, sans oublier l’auteur-compositeur-interprète californien Gregory Porter, le groupe mythique de rap New Yorkais De La Soul, la star française Matthieu Chédid, et la franco-brésilienne Flavia Coelho.

Musicien, compositeur de musiques de films et artiste multirécompensé (Victoires de la musique, Césars, Lumières) Ibrahim Maalouf est devenu l’un des plus grands trompettistes internationaux, en plus d’être l’un des artistes jazz les plus populaires en France. L’année dernière, il participe au Late Show avec Stephen Colbert aux côtés de Jon Batiste, qui le présente comme une légende vivante du jazz.

Remplissant le Volkswagen Arena d’Istanbul, le Lincoln Jazz Center de New York, ainsi que le Kennedy Center à Washington, il devient en 2016 le premier jazzman de l’histoire à afficher complet dans la plus grande salle de concert de France, l’AccorArena de Paris Bercy.

Repéré par le légendaire producteur américain Quincy Jones et qualifié de virtuose par le New York Times, Ibrahim a collaboré au fil des ans avec de nombreux artistes tels que Wynton Marsalis, Angélique Kidjo, Melody Gardot, The Kronos Quartet, Trilok Gurtu, Josh Groban, Marcus Miller et Salif Keita.

À la suite des attentats terroristes de 2015, Maalouf est invité par Sting à jouer au concert de réouverture du Bataclan à Paris, en plus de rendre hommage à Tignous – l’un des dessinateurs assassinés pendant l’attaque – à ses funérailles. Il a aussi honoré la mémoire des victimes des attentats de l’automne 2015 lors d’un hommage national en composant un hymne chanté par la jeune Louane. Artiste incontournable et symbole du dialogue interculturel, il est choisi en 2021 pour interpréter l’hymne national français devant 6 millions de téléspectateurs le 14 juillet 2021 aux pieds de la tour Eiffel à Paris.

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Joulie Fox shares her new single « Running »

Photographer Credits: Hania Kantor

Joulie Fox

New single « Running »

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London based artist Joulie Fox brings a truly genreless approach to her musicality. Honing down an impressive repertoire, Fox’s musical endeavours shine brightly, as she brings her unique chronicles to life. Defining her truly unique soundscape, her rich musical heritages take the shape of influences such as St. Vincent, Jack White and Marina & The Diamonds, as Fox prides herself on an ability to stay genuine to her unique artistry.

Her latest single “Running”, off of her upcoming EP Love is a Blessing is an acoustic, mellow ode to the story of a lost soul. With the EP consisting of five different love stories, her unique chronicles and an unparalleled approach to musicality are brought full circle, as she confesses, “Each song shows a different character from Mother Teresa of Love, the stalker to the psychopathic killer. ‘Running’ is a story of a lost soul seeking love but fighting with demons living in her head since she was very little. She feels devoid of emotions, therefore, believing there is not much left in her to give and that she doesn’t deserve true love.”

Co-produced with British indietronica singer-songwriter and producer James Yuill (Catz’n’Dogs, Mousse T, John Summit) and fully recorded in London in James’ studio, “Running” unites with echoing vocal energy, reverberating rhythms and melodious choruses to form a truly unique soundscape, filled with possessing emotions and an underlying vulnerability. She continues, “It talks about something that many people with a difficult past or a bit more complex personality struggle with. I know that everyone deserves to be loved but some people just don’t and ‘Running’ is the anthem for all the lost souls out there.” A raw and acoustic account of such creates a tune that soars with melancholy.

Fox’s musical journey sets her apart. Her debut single « Wild Heart » was officially featured on ‘Love Island’ on ITV, and after a few months, she came back with « Oops I am Dead », that made her shortlisted for the biggest festival in Europe – Glastonbury. Her previous singles have landed on Spotify’s prestigious ‘New Music UK’ playlist and she has garnered critical acclaim from the likes of The Guardian. Continuing to grow exponentially, Fox has streaming numbers hitting the tens of thousands for her impressive repertoire to date.

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Fresh présente son nouveau titre « Allez dehors » feat. Niska

Dernière mise à jour :

29 août 2022

Fresh feat. Niska

Nouveau titre « Allez dehors »

Déjà 2 mois après le succès de son premier EP « Bientôt à l’abri » avec notamment « Chop » bientôt single de platine et « Drama queen » bientôt single d’Or, que Fresh est déjà de retour et décide de commencer cette rentrée 2022 en force en dévoilant le titre « Allez dehors », premier extrait de son album « A l’abri » qui sortira prochainement.

Ce gimmick rendu populaire lors de son épreuve des battles durant le programme « Nouvelle école » sur Netflix et qui depuis, résonne partout sur internet ! Pour ce premier extrait, qui de mieux que Niska ne pouvait compléter le morceau ! Flow, technique, punchlines, ambiance au programme quand on connait les deux artistes… la connexion était évidente et le résultat impressionnant !

Aujourd’hui, la tête d’ange ressemble plutôt à un colosse. Un colosse sympathique au moment de se raconter. Franc et lucide. Habité par une soif de vaincre assez saisissante.

Gosse déjà, Fresh relève plus du fin stratège que du collectionneur de cartes Pokémon. Plus mûr, plus réfléchi, son état d’esprit le pousse à regarder devant. 25 ans, né à Liège, en Belgique, ses deux parents originaires du Congo.

“Le rêve de faire un jour de la musique une carrière, ça passe d’abord par des films américains, comme Réussir ou Mourir de 50 Cent ou 8 Mile d’Eminem. Et puis, il y a l’ambiance familiale. Ma famille est dans la musique depuis toujours. Depuis que je suis petit, je vais à l’église où la chorale était gérée par mes proches. Mes oncles et mes tantes y chantaient. Je suis entouré de musiciens depuis mon enfance… J’avais même pas 12 ans et je m’amusais avec mes frères et mes cousins chaque dimanche à mettre des instrus au hasard, écrire des textes et les rapper. On avait notre petit boysband (rires). On rappait sans se soucier de rien, juste pour le défi et le plaisir. Le temps a passé. À l’âge de 15 ans, j’ai continué, bien décidé à faire carrière. Quand je dis carrière, on se comprend. Je voulais juste sortir un maximum de morceaux, je voyais que les gens commençaient à kiffer autour de moi. J’ai travaillé dur, je suis resté concentré, sérieux. La rigolade s’est transformée en autre chose, de beaucoup plus structuré, on était encore très jeunes mais on avait déjà compris que pour avancer, on aurait besoin de fondations solides. Et de rester soudés, moi et mes frangins. Comme dans un film américain, on sait qu’on pouvait le faire, il suffisait d’y croire fort et de beaucoup donner. On a poussé le rêve plus loin, on n’a jamais rien lâché. Aujourd’hui, je rêve encore. Faut le savoir, je suis un grand rêveur. Mes frères et moi, on a des objectifs, on ne s’interdit rien. On rêve tellement haut qu’on préfère ne pas en parler, pour ne pas passer pour des fous ou des prétentieux…” Contrairement à pas mal de ses contemporains dans le game, Fresh n’ignore rien de l’importance des racines. Il connait ses classiques, il ne vient pas de nulle part. Sa curiosité est à vif, sans artifice, elle se nourrit du passé autant que du présent. La meilleure façon d’appréhender l’avenir sans trembler. “Mes grands frères et cousins écoutaient 2-Pac, Wu Tang, Notorious Big, j’ai baigné dans cette culture depuis toujours.” Très vite, Fresh et les siens comprennent que le destin est cette chose qui ne frappe jamais à la porte, qu’il faut monter au front pour s’en saisir. Ils fondent leur propre label, aujourd’hui rebaptisé ICB Records, sortent leur propre merchandising, qu’ils vendent presque à la sauvette sur les parkings, aux concerts, comme Jerry Heller et NWA de l’autre côté de l’Atlantique il y a 30 ans. Ils financent ainsi leurs propres clips. Aide toi et le Ciel t’aidera. Marche ou crève. Exemplaires. “Je n’aurais jamais pu m’asseoir dans un bureau et travailler pour un patron. Impossible !”

Le 1er juillet est sorti son tout premier EP 5 titres, “Bientôt à l’Abri”. Avant, il y a eu une mixtape, des titres à l’arrache, ses premiers essais, ses premières bouteilles à la mer. Cet EP, c’est une carte de visite, une présentation officielle. C’est encore le chapitre initial d’un album attendu pour cet automne sur lequel Fresh travaille depuis début 2022. Ce titre, “Bientôt à l’Abri” indique ce désir de mettre bien les siens. Mais pas uniquement. Il annonce la suite. On ne peut pas en écrire plus à l’heure qu’il est. Patience donc. De l’ombre à la lumière. Un flash. Fresh participe sur Netflix à la Nouvelle École. Et gagne. “C’est évidemment un tournant dans ma carrière” dit-il. Doux euphémisme. Du jour au lendemain, ses réseaux sociaux s’affolent. “De la folie ! J’ai pris plus de 300 000 abonnés sur Instagram, j’ai créé un compte TikTok à la diffusion du programme et j’en suis à 350 000. De 10 000 auditeurs en streaming, j’ai aujourd’hui dépassé le million. Le clip de “Chop” (single présent sur l’EP), en trois jours, cumule déjà plus de 3 millions de vues sur Youtube. Je suis numéro 1 en top streaming ! Moi, ce genre de chiffres, je ne voyais que les stars les faire. Je regardais ça de loin. C’est dément. Je te jure, je pète un câble (rires).” Surtout, cette expérience a permis à ceux qui le suivent et aux autres de découvrir sa façon de faire, sans entrave ni oeillère. Sa méthode avant même sa musique. La chair avant le son.

Si Fresh admet avoir confiance en son potentiel, -son parcours d’autodidacte sans faute parle pour lui-, il reconnait également qu’il est parfois aussi visité par le syndrome de l’imposteur : “Je n’ai pas encore l’impression que tout ce qui m’arrive, ça m’arrive à moi (rires). Moi, j’estime n’être encore personne, alors que tout le monde parle de moi. C’est ça qui est paradoxal : le pays entier parle de moi et moi, j’ai l’impression que j’ai encore tout à prouver. C’est un sentiment très spécial.” Que Fresh ne s’inquiète pas. Seuls les artistes sans talent ne doutent pas. Cette reconnaissance publique, il va vite la digérer. Mieux. Il va s’en nourrir pour grandir encore plus fort. Des pointures du milieu artistique le demandent en feat, le contactent, le plébiscitent. C’est un signe qui ne trompe pas. Damso l’a validé. Il est sur la bonne voie.

“Mon univers musical ? Je le définirai comme un univers sans mensonge. Je ne suis pas un artiste que tu peux enfermer dans une case. Tu ne peux pas dire que Fresh fait de la trap, du mélanco. Fresh, c’est un mec qui vient en studio et qui dépose l’émotion qu’il a envie de déposer. Quand tu écoutes l’EP, tu vois bien que chaque morceau a une couleur différente. À la base, je suis un gros trapeur. Mais je peux très bien passer d’un son drill très sombre à quelque chose de plus lumineux. Quand je fais de la musique, je ne me cache jamais, je suis sans tabou.”

Fresh le sait : un Homme peut passer en quelques secondes du rire aux larmes. Telle est la vie : capricieuse et imprévisible, montagnes russes perpétuelles. Sa musique ne dit pas autre chose. Elle navigue d’une émotion à l’autre. Sans jamais baisser la tête. Fresh sait aussi qu’un artiste qui préfère répéter une formule que d’édifier sa propre identité se condamne à l’oubli. La routine, il n’en veut pas. Il a raison. Artiste plutôt que machine. Homme plutôt que produit. Sa polyvalence est sa force. Sa liberté. Dans une époque où la vérité est préférée aux discours en carton, Fresh a une vraie carte à jouer. Sa fan base ne s’y est pas trompée. Elle a capté que chez lui, la soif d’expérience est plus forte que le confort. L’aventure sans cesse réactivée. La prise de risque comme oxygène. Une autre chose est primordiale chez lui : la fidélité. Fresh avance en groupe. Une affaire de famille. Cercle restreint et extrêmement soudé. Loyauté en titane.

Demain, il le voit sans frontière. International. Sans tricher. Son futur va rapidement se conjuguer au présent. Il est prêt.

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KiKi Holli shares her new single « Play To Lose »

KiKi Holli

New single « Play To Lose »

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Entitled « Play To Lose », the track examines leaving a toxic relationship and finding your voice and confidence in the end. With layered vocals full of confidence and depth, and acoustic guitars dripping with nostalgia, “Play To Lose” is a radiating groove-infused roots pop single.“Play To Lose” reminds the listener to know your own worth and find your power even in the most hopeless of situations.

Los Angeles indie-pop vocalist KiKi Holli creates stunning and soulful music woven with intricate emotive storytelling for a truly captivating and cathartic listening experience with an eclectic musical aesthetic. Holli draws on inspiration from her rich theatrical background, as well as from iconic artists such as PRINCE, Dusty Springfield, The Cure, Stevie Nicks and Siouxsie and the Banshees.

Crafting a unique sound, KiKi Holli’s music is beautifully vulnerable and nurturing, with themes of connection, healing, personal growth, and living in the moment. If her delivery seems genuine—empathetic even—that’s because it is. She’s been there.

“You know, Amor fati — love your fate, love whatever is in front of you and embrace the moment,” she says.

Holli’s debut single was a breathtaking cover of Roxy Music’s “More Than This”, a raw and intimate version of the celebrated 80’s hit. Collaborating with acclaimed producer Ethan Allen (Throwing Muses, Tricky, Black Rebel Motorcycle Club), she was inspired to release her own version of the song in the midst of dealing with intense grief and loss.

Her first original song, “NEW HIGH” is a celebration of simple pleasures, finding solace in your happy place and a returning to love after a time of hardship. With soaring vocals singing sunshine-dipped melodies over lush and blissful pop rock soundscapes, “NEW HIGH” is a welcome sonic escape, collaborating again with Allen to create a landscape of music that pulls the listener into the neon glow of a surreal joy ride down the coast of Malibu. The track received praise from the likes of Earmilk, Atwood Magazine and Buzzbands who proclaimed it « a day-brightener in which her crystalline vocals ooze optimism with every note ».

In her new single “Play To Lose”, KiKi examines leaving a toxic relationship and finding your voice and confidence in the end. With layered vocals full of confidence and depth, and acoustic guitars dripping with nostalgia, “Play To Lose” is a radiating groove-infused roots pop single. “Play To Lose” reminds the listener to know your own worth and find your power even in the most hopeless of situations.

With a new album in the works, KiKi Holli creates relatable music that culminates into a diary of hope for listeners across the globe.

Originally from Pittsburgh, PA, Holli was drawn to the arts from an early age, with her passions gravitating towards music and theater. Subsequently, she found solace in these disciplines and later earned her BFA in voice and theater for further exploring her unique talents. In addition to being a trained vocalist, Holli also grew up playing the guitar, saxophone and viola. Theatrically she has appeared on stage in the plays Of Mice and Men, Three Sisters and Twelfth Night, and also played the lead role in the Rocky Horror-channeling indie film Isle of Lesbos, celebrated by Swampflix as “a politically angry, deliberately offensive, post-John Waters, queer-as-f*ck movie musical with deep roots in drag & cabaret traditions.”

Most notably, Holli co-wrote and starred in Forever Dusty, a stage musical based on the life of British pop star Dusty Springfield. The production opened off-Broadway in 2012 at New World Stages in New York, garnering coverage from The Village Voice, Reuters, The New York Times and Out Magazine. From there, the play went on to run in Los Angeles and London, as well as other cities in the U.S. and U.K.

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Hanne Mjøen returns with her new single « I Never Told You »

Hanne Mjøen

New single « I Never Told You »

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Hanne Mjøen is not your average pop queen. The Norwegian alt/pop artist creates music that makes you want to dance, with lyrics that make you want to cry. Her intoxicating sound is coated in a dark, raw edge, providing a comforting reminder that it’s ok to be flawed, while her lyrics pull the trigger for an outlet of pent-up emotions.

Mjøen is just a small-town girl, living in a lonely world. The child of a hairdresser and a salesman, she came of age in Oppdal, a small mountain village. She had never dreamt of becoming a pop star. All she wanted to do was to sing and write songs, and hopefully have them make an emotional connection with someone out there. Pop music as a genre – with its booming choruses, spine-tingling chord progressions and lyrics about love, longing and betrayal – not its popularity, was what had appealed to her.

This is her journey to find the strength to say it as it is. And she is taking you with her on this journey. Her next single « I Never Told You » continues to take us on an exploration of emotional tribulations. Showing strength in concealment, Mjøen explains,  »There’s so many things you never tell and keep inside, hiding hard feelings to seem stronger than you are. This song is about not wanting people to see you in your weak and darker moments, but also acknowledging them. I don’t want to burden you with my shade, and I won’t let you carry me, cause what if you can’t take it? What if this destroys your image of me, and you start to pity me? I don’t want that. I wrote this song thinking of my mom and all the things I never tell her, cause I want to be the strong and independent person she sees me as. » Shaded with ascending synthesisers, euphoric vocal energy and rhythmic bliss, her latest single opens gracefully into Mjøen’s contagious musicality.

To date, her music has garnered over 23 million streams, receiving airplay in over 25 countries worldwide, including Annie Mac and BBC Radio 1. In 2021 she was the 7th most played artist on Norwegian radio and has been praised by the likes of

The Fader, The Line Of Best Fit, Paper Mag, Wonderland Mag, 1883 Mag

and many more. 2022 is set to be an explosive year for Hanne Mjøen.

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Los Angeles’ The Sweet Kill Announce Debut LP with Synth-Soaked Post-Punk Single “Darkness”

The Sweet Kill

New single “Darkness”

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The Sweet Kill have just announced the release of their debut LP

Darkness

with their newest video-single by the same name. The Sweet Kill is a one-man post-punk project which focuses on the more dark and gothic side of the genre. Perpetually recording and producing at his own

SHADOW ZONE SOUND

in Los Angeles, Pete Mills wrote The Sweet Kill’s sonic cinematic debut

Darkness

with the intent to inspire those lost in the shadows of life. Driven by cold synths, atmospheric guitar and melodic bass, multi-instrumentalist and velvety crooning baritone Mills conducts a darkwave masterpiece of romantic sorrow echoing the laments of The Cure and Joy Division.

The video for the single

Darkness

was shot and produced in Los Angeles by director James Mitchell. The video features Mills in a straitjacket, tormented by an inescapable, faceless antagonist draped in BDSM gear. While Mills is tortured and teased by his nemesis in erotic black vinyl, he comes face to face with a real-live panther which eventually becomes one with his inner being. Reflecting on the meaning of the single

Darkness

, Mills states, “The spark between dark and gothic attraction can lead to a charged demise. Perpetually intertwined with murky chemistry and twilight solemnity,

Darkness

polarizes this extravagance”. Starring Murphy The Panther, the video for

Darkness

also features actors/dancers Andrea Feyler, Paradise Brittain, Luliia Lozovaia, and of course Pete Mills as himself.

The album

Darkness

, due out on

vinyl

in September 2022, is a dark and gothic post-punk diviner of millenarian angst.

Darkness

bridges the decades between the early days of post-punk and the now. You can hear elements of The Cure and Bauhaus reverberate through Mills’ taut, brooding vocal performances, while the pounding bass lines and brisk percussion are reminiscent of artists like The Killers or Franz Ferdinand. The personal lyrics and accessible melody and production fall somewhere between Editors and Fontaines D.C., lending the songs an openness that will appeal to fans of pop and rock, not just post-punk.

THE SWEET KILL

is a dark & gothic post-punk diviner of millenarian angst. Driven by cold synths, atmospheric guitar and melodic bass, multi-instrumentalist and singer Pete Mills conducts a darkwave masterpiece full of romantic sorrow echoing the laments of The Cure and Joy Division.

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Hunter shares her new single « Closer »

Hunter

New single « Closer »

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Entitled « Closer », the track was inspired by,  »

the feeling of driving down the road with the windows down on an easy summer afternoon. We’ve been through a lot over the last few years and I wanted a song that could help my listeners escape what’s around us. »

proclaims Hunter. With Hunter’s signature soul-drenched velvety vocals singing captivating melodies over breezy pop rock soundscapes, « Closer » is the lighthearted end of summer anthem we all need.

« Closer » is produced by Grammy nominated producer and mixer John Alagia (John Mayer, Sarah Bareilles) and Jesse Siebenberg producer and musician for (Lady Gaga, Lukas Nelson and composer for Bradley Cooper’s remake of ‘A Star is Born’). Hunter has found success performing with Luckas Nelson at the Hollywood Bowl, Austin City Limits and on CONAN. « Closer » is off of her upcoming debut EP set for release September 30th and the single was just added to

Now That’s What I Call Music 83

.

There’s a wise and eloquent spirit bouncing between moments of soulful expression, R&B energy, pop bliss, and alternative boundary-breaking, at the heart of HUNTER’s music. A storyteller packed with soul whose honesty rings out just as powerfully as her vocals do. After generating millions of views with showstopping turns on YouTube live performance series, Scary Pockets, and attracting a growing audience, she properly introduces herself on her 2022 independent debut EP, Hello: My Name is HUNTER.

“When I write, I think of how my lyrics could apply to my listeners,” Hunter says. “I know I was given a voice to sing. I feel like I need to share it. When you play my music, I want you to feel a connection. I want these songs to play into your life, help you escape, or celebrate a memory.”

Born in 1992, singing came early to Hunter, beginning with performances on the baby monitor. By the age of ten, she was performing every chance she got in her small hometown of Montana. Soon after, she was attending college intensives and summer schools across the country for vocal training and starring in high school and community theatre musicals, singing in several choirs and fronting her own band. She left Montana at the age of 18 to pursue a college education in Los Angeles at Musician’s Institute and graduated with a double major in Vocal Performance and Music Production. By 2016, she was paying the bills modeling and acting on television, and held down a year-long residency as house artist at the popular Los Angeles club and celeb hotspot, The Nice Guy.

On one particular modeling trip, Hunter met none other than GRAMMY® Award-winning recording artist, producer, and songwriter Lukas Nelson at the gate in the Austin, TX airport. Striking up an instant friendship, Lukas would enlist her to accompany him during various high-profile gigs such as sold out shows at The Troubadour and The Fonda, and an appearance on CONAN. His father Willie even recruited her to join him during his performances at the Hollywood Bowl and Austin City Limits.

“It was incredible to hear her music for the first time,” says Lukas. “I was struck by her soul…she’s just got so much soul.”

“I owe my ability to perform on the fly to the Nelsons,” Hunter adds. “Lukas taught me I needed just to get out and say, ‘Yes’.”

In between, singer and songwriter Joshua Radin invited her to join him for a duet of Sam Cooke’s “Bring it on Home to Me” on Scary Pockets, a YouTube performance series generating over 2.6 million views. Hunter’s voice powered covers of Bob Dylan, Adele, Marvin Gaye, Al Green, Vulfpeck, and more, making her one of the go-to voices on the program and entrenching her in the community of artists. She serendipitously met producer John Alagia [Dave Matthews, John Mayer, Jason Mraz] through Lukas and wound up recording her EP with him behind the board alongside her co-producer producer Jesse Siebenberg [Lady Gaga, Kesha, Lukas Nelson and Promise of The Real, Kenny Loggins] at the Village Studios in Los Angeles.

The track “Borrowed Time,” with soft piano and a gentle hum, Hunter’s voice ebbs and flows between vulnerable verses and a soaring refrain uplifted by her dynamic range.

“We wrote “Borrowed Time” years ago. I was getting over a crush at the time,” she recalls. “It’s a beautiful song about having a moment with someone and knowing it can’t go any further. You just have

to accept it. Coincidentally, on the day we released the track, I had broken up with my ex and that was the day he left. The song’s meaning became even more personal for me and took on a new story.”

Meanwhile, “Closer,” written by Hunter, John Alagia, and guitarist/songwriter phenom David Ryan Harris, unfolds as an upbeat happy love song meant to “remind you of that honeymoon butterfly feeling you get when you’re crushing on someone.” “That’s still part of the message, but it’s evolved,” she reveals. “COVID is going away, the masks are coming off, and we can get closer to our loved ones. It feels universal.”

Then, there’s the soulfully sweet “Just Can’t Tell You.” Written by Hunter and famed funk/soul producer Joe Bagale a.k.a Otis McDonald, the Motown-style song’s melody and tambourine underline flirty, fun lyrics and coy delivery. “Lots of people have a nine-to-five job and a crush at work,” she says. “I love the comedy series The Office. I was watching a slew of episodes late one evening and was inspired to write a song about office love. I pictured myself in a cubicle and what it would be like if I had a crush on somebody at work. It’s a relatable song about catching feelings for that special someone at the office.”

In the end, Hunter’s soul shines through her voice.

“Today, I am the strongest version of myself that I have yet to be in my life,” she says. “I have put in the work. I have learned so much from everything I’ve gone through in life and music, it has all brought me here, with new insight and confidence and emotional intelligence that I want to use to help others through my music. I’m an open book, I want to share my heart and experiences, and I finally feel ready to be HUNTER the artist.”

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O.B.F SOUND SYSTEM présente son nouveau clip ‘Contrôle la Danse’ feat. Junior ROY

O.B.F SOUND SYSTEM feat. JUNIOR ROY

NOUVEAU SINGLE ‘CONTRÔLE LA DANSE’

DISPONIBLE

– DUBQUAKE RECORDS –

O.B.F Sound System présente « Contrôle la Danse », un titre crossover dance/dub aux cuivres entrainants et aux basses puissantes.

Deuxième single de leur prochain album « Lava ».

Le titre fait référence à l’énergie incomparable qu’O.B.F échange avec le public lors de ses concerts

O.B.F est un sound system français de musique dub / reggae basé dans la banlieue de Genève et actif depuis 20 ans dont les membres sont à la fois DJs, producteurs, et soundmen.women.

Fortement influencé par le reggae jamaïcain, le dub britannique des années 90 et la musique urbaine contemporaine, le son d’O.B.F est distinctif et polyvalent. Les sons uniques des productions de Rico ont rapidement gagné en popularité au sein de la communauté dub et en 2006, O.B.F organisait déjà ses propres soirées au Zoo de l’Usine, le plus grand club de Genève.

Depuis leurs soirées « Dubquake » sont devenues une véritable institution dans le paysage nocturne européen. Ils ont voyagé dans le monde entier, jouant dans certains des festivals les plus prestigieux. Leur permettant de répandre leurs sons du Mexique, à la Russie, en passant par le Japon, les États-Unis, la Chine, le Brésil, ou la Pologne. L’une des clés de leur succès est l’énergie inégalée qui émane de toute l’équipe. Il suffit de participer à l’une de leurs sessions pour se sentir membre d’une grande famille. Cette capacité à rassembler les gens s’explique de par leurs nombreuses collaborations qu’ils ont eu au fil des ans comme Charlie P, Shanti D, Sr. Wilson, Eek-A-Mouse, Belen Natali, Pupa Jim, Aza Lineage, Biga*Ranx ou encore Nazamba.

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Sage Castleberry shares his new single « Last Goodbye »

Sage Castleberry

New single « Last Goodbye »

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Michigan born and bred Sage Castleberry is a pop country artist whose music brings together old and new. Born into a family of musicians, he was exposed to a variety of genres, ranging from 80s hair bands to country music and everything in between. Picking up the guitar at just 10 years old, Castleberry has spent years mastering his art, eventually becoming the lead guitarist in a band alongside his good childhood friend, Sam Luna, Dave Luna, long time family friend Chris Gillette and Castleberry’s own father (and former 80’s rock drummer), Tim Castleberry. Taking the leap to go solo, the songwriter has been working on his own music, discovering his unique sound and perfecting his artistry.

Following the paramount success of his debut single “I Kinda Like It”, Castleberry is back with his next single “Last Goodbye”. Claiming his infectious pop country sound fueled by his diverse influences over the years, the Michigan artist displays a multitude of musicality. As he soaks up the music from his childhood, he fuses pop-fueled modern, fresh and dance-worthy elements, with the country influences of Rascal Fatts, Thomas Rhett and Seaforth.

“Last Goodbye” narrates the tribulations of dealing with a breakup. Written between his family home in Battle Creek, and apartment in Kalamazoo, his next single soars with grooving guitars, synonymous vocals and compelling choruses. He elaborates, “I first wrote the chorus, then started humming melodies for verses. With the help of Addison Liggett, she gave me a killer line to start the second verse with and the rest is history.” Hoping to inspire people to have the courage to do things they love and not worry about what others may think, his unapologetically unique approach to composition is just one of the reasons “Last Goodbye” is set to transpire with fans globally.

Garnering critical acclaim on release of his outstanding debut from the likes of Earmilk, Atwood Magazine, and Variance Magazine, Sage Castleberry is emerging exceptionally into the scene.

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