9 novembre 20268 novembre 2026 Christy Motivation

Comment rebondir après un refus sans se dévaloriser

NEW KG • MOTIVATION

Après un refus,
retrouver un point d’appui.

Accueillir la déception, relire les faits et choisir une étape réaliste : des repères pour reprendre votre chemin sans vous demander de rebondir immédiatement.

LUNDI 9 NOVEMBRE 2026 • PAR LA RÉDACTION NEW KG

Enveloppe et carnet devant un chemin de pierres au lever du jour, illustration NEW KG Motivation. — Après un refus, retrouver un point d’appui et choisir une prochaine étape.

Le message arrive. Votre candidature n’est pas retenue. Le projet ne sera pas accompagné. Une proposition à laquelle vous teniez reste sans suite. Après les premières lignes, une autre phrase peut prendre toute la place : « Je ne suis pas à la hauteur. » Pourtant, la réponse reçue ne raconte qu’une situation, à un moment donné.

Comment rebondir après un refus sans se dévaloriser ? En commençant par reconnaître ce qui vous touche, puis en séparant les informations disponibles des conclusions que vous tirez sur vous-même. Vous pourrez ensuite examiner ce qui mérite un ajustement, ce qui reste valable et ce que vous souhaitez encore poursuivre.

Cette semaine, NEW KG propose un point d’appui concret. Vous trouverez quatre étapes, des exemples de questions à poser et un bilan simple à compléter. La musique accompagne la lecture, avec une playlist pensée pour retrouver un peu d’espace et d’élan.

1. Accueillir la déception après un refus

Avant de chercher une solution, laissez une place à votre réaction. Un refus peut toucher un espoir précis : changer de travail, faire exister une création, rejoindre une équipe ou être reconnu pour un effort. Nommez ce qui a été perdu dans cette situation. Vous comprendrez mieux ce qui demande du temps et ce qui peut déjà être réorganisé.

Accordez-vous un délai adapté avant de répondre ou de prendre une décision importante. Relire un message à chaud, l’envoyer à plusieurs personnes et chercher immédiatement une nouvelle occasion peut vous laisser peu de place pour choisir. Une marche, une conversation ou une soirée sans revenir au dossier peuvent devenir des pauses utiles, si elles vous conviennent.

Évitez aussi de vous imposer un récit héroïque. Vous n’avez pas à transformer chaque déception en leçon dès le premier jour. Vous pouvez simplement dire : « Cette réponse m’a atteint parce que cette possibilité comptait pour moi. » Cette phrase décrit une expérience sans réduire votre identité à son issue.

Alicia Keys — « Brand New Me », clip officiel. Un contrepoint musical pour prendre de la distance avec les définitions que les autres posent sur soi. Voir sur YouTube.

2. Séparer les faits du jugement que l’on porte sur soi

Prenez une feuille et divisez-la en deux colonnes. Dans la première, notez uniquement ce qui est établi : la proposition a été refusée, un critère a été cité, un calendrier a changé. Dans la seconde, écrivez vos interprétations : « Je n’intéresse personne », « Je suis en retard », « Je n’y arriverai jamais ». Vous n’avez pas à nier ces pensées pour constater qu’elles dépassent les informations reçues.

Par exemple, « mon dossier n’a pas été sélectionné pour cette édition » est un fait. « Mon travail n’a aucun intérêt » est une conclusion beaucoup plus large. Une place limitée, une orientation éditoriale ou une compétence particulière peuvent entrer dans une décision ; lorsque les raisons ne sont pas données, mieux vaut reconnaître ce manque d’information que le remplir par une accusation contre soi.

Revenez ensuite à des éléments concrets de votre parcours : un projet terminé, une compétence utilisée, un retour précis reçu auparavant. Ces repères ne changent pas le refus. Ils permettent de le replacer dans une histoire plus complète et de voir ce sur quoi vous pouvez encore vous appuyer.

India.Arie — « Strength Courage & Wisdom », audio distribué par Universal Music Group. Une pause d’écoute pour revenir à ses propres ressources. Voir sur YouTube.

3. Demander un retour utile et choisir ce que l’on ajuste

Quand le cadre s’y prête, vous pouvez demander un retour bref. Une question précise facilite l’échange : « Quel point de ma proposition répondait le moins à votre besoin ? » ou « Quelle compétence devrais-je mieux rendre visible dans un prochain dossier ? » Vous cherchez une information exploitable, en respectant le temps et la liberté de réponse de votre interlocuteur.

Relisez ensuite le retour à la lumière de votre objectif. Une remarque sur la clarté d’une présentation peut conduire à retravailler une page. Un désaccord sur le style peut indiquer une différence de ligne éditoriale. Il est utile de distinguer une amélioration que vous souhaitez apporter d’un changement qui vous éloignerait de ce que vous défendez.

Si aucun retour n’est possible, faites relire votre démarche par une personne capable de poser des questions concrètes. Demandez-lui ce qu’elle comprend, ce qui manque et ce qui fonctionne déjà. Vous pourrez choisir un ajustement limité : préciser une intention, mieux montrer un exemple ou chercher un interlocuteur plus adapté.

Ben Harper — « Better Way », clip de sa chaîne officielle. NEW KG le choisit comme un écho musical à la recherche d’une autre manière d’avancer. Voir sur YouTube.

4. Rebondir à son rythme avec un prochain pas réaliste

Choisissez une action que vous pouvez décrire et terminer. « Réussir enfin » laisse tout à porter ; « clarifier le premier paragraphe de mon dossier vendredi » donne une direction. Vous pouvez aussi décider de demander un avis, de ranger vos références, de préparer une nouvelle piste ou de suspendre temporairement une démarche.

Donnez à cette action un cadre soutenable. Vingt minutes disponibles peuvent suffire à relire une page, sans vous engager à reconstruire tout votre projet en une soirée. Si vous ne connaissez pas encore la prochaine destination, commencez par dresser la liste de vos options. Une exploration peut être une étape à part entière.

À la fin de la semaine, regardez ce qui a réellement changé : avez-vous obtenu une information, clarifié votre besoin ou repris une activité importante ? Appuyez votre bilan sur ces éléments. Le refus garde sa place dans votre parcours, tandis que vous recommencez à décider de la suite.

Laura Mvula feat. Nile Rodgers — « Overcome », clip officiel. Une énergie de mouvement pour accompagner le prochain pas, à votre rythme. Voir sur YouTube.

La playlist Spotify NEW KG pour prolonger l’écoute

Rebondir, un pas après l’autre | NEW KG Motivation

Alicia Keys, India.Arie, Laura Mvula, Nneka, Ben Harper, Ayọ, Camille, Winston McAnuff & Fixi, Michael Kiwanuka et Corinne Bailey Rae accompagnent cette sélection. Écoutez-la comme un espace personnel : pour faire une pause, marcher ou reprendre une activité qui vous tient à cœur.

Ouvrir la playlist directement sur Spotify

Reprendre la main sur une étape, dès cette semaine

Pour aujourd’hui, choisissez une seule chose : nommer votre déception, distinguer un fait d’une supposition ou demander un retour précis. Vous pourrez ensuite décider de votre prochain pas. Rebondir après un refus peut commencer modestement, avec une décision qui vous ressemble et un rythme que vous pouvez tenir.

8 novembre 20266 novembre 2026 Christy A la une|Interview|Musique

Deylise : de Paris à l’Angleterre, une artiste rock guidée par la liberté

NEW KG • EST-CE QUE TU ME CONNAIS ? • ÉPISODE 08

Portrait • Deylise

Deylise : entre guitare, vagues intérieures et liberté rock

D’Issy-les-Moulineaux aux scènes anglaises, de la guitare apprise seule
dans une chambre aux arrangements qu’elle façonne aujourd’hui elle-même,
Deylise construit un univers où le rock, la pop et le folk avancent au rythme
de l’instinct. Une musique traversée par les villes, les départs, les vagues,
les guitares et le besoin d’écrire ce qui doit exister.

Carnet de tournée

Si la vie de Deylise devait s’ouvrir comme un carnet de tournée,
les premières pages parleraient d’Issy-les-Moulineaux, des bars parisiens,
des scènes ouvertes du Réacteur puis de celles de la capitale.
Elles mèneraient ensuite vers l’Angleterre, qui a bouleversé sa vision,
son style et son rapport à la musique. Enfin, elles s’arrêteraient sur la composition :
écrire toujours, suivre son instinct, laisser la chanson prendre forme
presque impatiemment.

01 • Les débuts

Quand la guitare devient un refuge

Deylise commence la musique à un moment fragile de sa vie.
À l’origine, il n’est pas encore question de carrière,
encore moins de stratégie ou d’industrie.

Il s’agit d’abord de s’évader.
D’écrire des chansons pour penser à autre chose.
De trouver, dans le son des cordes et dans les mots,
un espace où respirer autrement.

Puis cette échappée devient une passion.
Une passion si forte qu’elle finit par s’imposer comme une évidence :
aller vers la musique, puis en faire un métier,
n’était plus seulement un rêve lointain,
mais une direction intérieure.

“

J’ai commencé la musique pour penser à autre chose…
et c’est devenu une vraie passion.

Apprendre seule, pour s’approprier l’instrument

La guitare, Deylise l’apprend en grande partie seule.
Elle ne cherche pas à suivre un chemin trop balisé.
Un seul cours lui suffit pour comprendre
qu’elle préfère une autre méthode :
passer des heures seule à répéter les mêmes accords,
rejouer Bob Dylan ou The Pretty Reckless,
jusqu’à ce que l’instrument devienne une extension personnelle
de son propre langage.

Cette période lui apprend la patience,
la persévérance
et surtout une manière de travailler très instinctive :
avancer à sa façon, à son rythme,
jusqu’à créer un lien profond et presque physique avec la guitare.

02 • L’Angleterre

Nottingham : le choc électrique

En 2017, Deylise part vivre à Nottingham.
Ce départ agit comme une bascule.

Là-bas, elle découvre une scène qui lui offre
ce qu’elle cherchait confusément depuis plusieurs années :
une liberté artistique plus brute,
plus directe,
plus décomplexée.

Elle y enchaîne les performances,
seule en acoustique ou comme leader d’un groupe de rock,
et reçoit ce qu’elle décrit presque comme des décharges électriques sur scène.
L’Angleterre devient alors plus qu’un décor :
un déclencheur.

« L’Angleterre, c’est de l’énergie brute,
et un public hyper réceptif à ma musique. »

C’est aussi une période où son écriture devient plus sombre,
plus grunge,
tandis que son identité visuelle s’affirme.
Sa voix, également, se transforme :
grâce à ses cours avec le chanteur lyrique américain Ben Cahn,
elle s’ouvre, se déploie et gagne en puissance.

03 • Liverpool

La rigueur pour atteindre la vision

En 2019, Deylise rejoint le Liverpool Institute for Performing Arts.
Cette nouvelle étape ne modifie pas seulement son environnement :
elle affine radicalement sa perception du métier.

Là où la passion et l’instinct suffisaient jusque-là à la pousser,
elle découvre à quel point une carrière musicale demande aussi
du travail,
de la rigueur
et de la discipline.

Travailler la voix,
le souffle,
l’endurance,
la production,
les arrangements,
recommencer sans cesse jusqu’à atteindre la forme exacte
que l’on avait imaginée :
tout cela devient partie intégrante de son processus.

Atteindre sa vision demande du temps,
de la discipline
et des heures de travail qui finissent par devenir des mois.

Liverpool apporte aussi une autre couleur à sa musique :
plus mélodique,
plus vibrante,
plus structurée théoriquement.
Nottingham avait été le lieu du choc.
Liverpool devient celui de l’architecture.

04 • Deux scènes, deux énergies

Entre la France des mots et le Royaume-Uni du lâcher-prise

Aujourd’hui, l’univers de Deylise se construit à l’intersection
de deux sensibilités.

D’un côté, la France :
son berceau,
la langue française,
le goût de la littérature
et des mots.

De l’autre, le Royaume-Uni :
un territoire qu’elle associe à la liberté d’être,
à l’acceptation du bizarre,
à la spontanéité
et à un public particulièrement réceptif.

Cette tension féconde irrigue sa manière d’écrire,
de produire
et de défendre ses chansons.
Comme si l’une lui donnait la matière,
et l’autre l’élan.

« Mélangez les deux et vous avez une musique super-puissante. »

Écouter Deylise

Une playlist entre guitares, reliefs pop et souffle océanique

Découvrez l’univers de Deylise, de ses morceaux les plus organiques
à ceux où l’écriture, les images et les arrangements se rejoignent pleinement.

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05 • Construire une chanson

Habiller le morceau sans l’étouffer

Deylise ne se limite pas au chant et à la guitare.
Elle explore aussi la basse,
la batterie
et le travail d’arrangement,
qui lui permet d’entrer plus profondément dans son propre univers.

Pour elle,
une chanson est presque comme une personne :
l’arrangement est la manière dont on l’habille.
Trop présent,
il peut écraser la mélodie et les paroles.
Trop discret,
il peut les laisser sans relief.

Comprendre plusieurs instruments change donc radicalement sa manière de composer :
le rythme pose le groove,
la basse soulève la structure,
la batterie l’ancre,
puis viennent les guitares,
les synthés
et les effets,
chacun avec sa fonction propre.

Arranger ses propres morceaux,
c’est aussi pouvoir leur associer des images,
des couleurs
et un imaginaire visuel cohérent.

06 • Écriture

D’abord une intention, puis l’élan

Lorsqu’une nouvelle chanson naît,
tout commence chez Deylise par une intention.

Sur quoi veut-elle écrire ?
Quelle vérité doit être exprimée ?
Qu’est-ce qui traverse son esprit à cet instant précis ?

Ensuite seulement viennent la guitare,
les accords,
puis presque en même temps la mélodie,
la rythmique
et la phrase.
Le processus est rapide,
porté par une urgence :
celle de faire exister la chanson.

« J’écris et compose rapidement, quasi impatiemment,
parce que l’envie que cette chanson existe est très forte. »

Cette écriture peut se déployer en français ou en anglais.
Le français, sa langue natale, porte naturellement certaines nuances.
L’anglais, lui, lui permet parfois de se cacher plus facilement.
Deux langues,
deux états d’esprit,
comme deux nationalités sensibles à l’intérieur d’une même artiste.

07 • Chansons repères

De « Flemme » à « Following the Waves »

Certaines chansons racontent particulièrement bien
la manière dont Deylise transforme une situation vécue
en proposition musicale.

« Flemme », écrite fin 2020,
naît après un épisode aussi absurde que révélateur :
un retard à une visite d’appartement
et l’attitude méprisante d’un agent immobilier parisien.
Le morceau prend alors une apparence légère et humoristique,
mais porte aussi autre chose :
la lassitude d’une époque,
la pression de l’entrée dans la vie active,
et l’écart entre ce que l’on attend d’une jeune adulte
et ce qu’elle ressent profondément.

« Following the Waves »,
de son côté,
s’ancre dans un autre paysage.
En juillet 2020, après des mois d’enfermement,
Deylise part seule à Hendaye.
Elle y reste trois semaines,
écrit plusieurs chansons
et trouve dans les vagues une image décisive :
celle d’un destin qu’on ne contrôle pas,
mais que l’on peut apprendre à traverser.

Les vagues l’apaisent
et représentent ce cours du destin
qu’on ne peut pas changer :
la meilleure chose à faire,
c’est d’apprendre à surfer dessus.

Cette image résume peut-être à elle seule
toute l’ambiance océanique de son univers :
sensible,
mobile,
imprévisible,
mais jamais figé.

08 • Identité artistique

Grandir sans se trahir

Entre « Lipstick », sorti en 2022,
et les morceaux plus récents,
Deylise ne parle pas de rupture.

Pour elle,
l’essentiel n’a pas changé :
elle reste la même.
Ce qui évolue,
c’est sa maturité,
sa manière de grandir avec ses chansons
et, surtout,
la précision avec laquelle elle sait désormais ce qu’elle veut.

Le fait d’être devenue sa propre productrice
renforce encore cette affirmation.
Elle ne délègue plus seulement une vision :
elle la construit elle-même.

09 • La scène

Supersonic, Les Disquaires… et le lien avec le public

Deylise a joué sur plusieurs scènes parisiennes,
notamment au Supersonic et aux Disquaires.
Dans ces moments de live,
ce qui la marque avant tout,
c’est la puissance du partage.

La scène devient alors un lieu de connexion directe,
presque viscérale,
entre l’artiste,
la musique
et celles et ceux qui viennent écouter.

Elle dit être particulièrement heureuse
de faire partie de la famille Supersonic,
comme si certaines scènes ne servaient pas seulement à se produire,
mais aussi à appartenir.

Sur scène, la musique devient un moment de connexion
puissant et partagé.

Dans cinq ans

Rester fidèle à l’élan des débuts

Si Deylise se projette dans les années à venir,
son ambition n’est pas formulée en termes de posture ou de stratégie.
Elle reste simple, mais essentielle.

Sortir de nouvelles chansons
qui aient du sens
pour le monde
et pour elle-même.

Conclusion

Une artiste guidée par l’instinct, portée par le mouvement

Deylise avance comme ses chansons :
avec intensité,
avec instinct,
et avec cette tension permanente
entre énergie brute et construction patiente.

Il y a chez elle la chambre où l’on apprend seule la guitare,
les scènes ouvertes parisiennes,
Nottingham et ses secousses électriques,
Liverpool et sa rigueur,
les langues qui se répondent,
les morceaux qui naissent vite,
les arrangements pensés comme des couleurs,
et l’océan comme métaphore du destin.

Entre rock,
pop
et folk,
elle construit une œuvre où l’intime ne se raconte jamais de manière figée.
Il circule,
il se transforme,
il se met en musique.

Le fil rouge de Deylise

Écrire vite quand l’envie est forte,
produire avec précision,
et suivre les vagues plutôt que leur résister.

NEW KG • Est-ce que tu me connais ?

Après ces vagues, ces villes et ces chansons… est-ce qu’on connaît vraiment Deylise ?

Le portrait d’une artiste rock qui transforme ses secousses intérieures,
ses départs et ses paysages en chansons habitées.

1 novembre 20268 novembre 2026 Christy culture|Interview

Afouz : Melting Crew, transmission et quinze ans à construire l’afro-urbain

NEW KG • EST-CE QUE TU ME CONNAIS ? • ÉPISODE 07

Portrait • Afouz

Afouz : Melting Crew, transmission et quinze ans à construire l’afro-urbain

Danseur, manager, producteur événementiel, chercheur de talents
et président de KIMIA AND CO : Afouz a progressivement transformé
son amour de la culture en un projet capable de relier
hip-hop, cultures afro-urbaines, scène, transmission et Congo.
Presque dix ans après un premier portrait publié par NEW KG,
il revient sur l’histoire du Melting Crew et sur l’homme
que cette aventure a construit.

Presque dix ans après

En 2017, Afouz racontait déjà à NEW KG son parcours,
de la danse à l’événementiel, la création de KIMIA AND CO
et son ambition de faire du Melting Crew
un espace où les cultures et les générations peuvent se rencontrer.
Depuis, le projet a continué à évoluer.
Aujourd’hui, son discours parle moins de conquête
que de transmission, d’expérience et de responsabilité.

01 • Qui est Afouz ?

Chercher, construire, réguler

Lorsqu’on lui demande aujourd’hui de se présenter
sans citer Melting Crew,
ni son métier,
ni son parcours public,
Afouz répond avec trois expressions.

« Un chercheur de talent Afro Urbain.
Un entrepreneur de spectacle.
Un régulateur. »

Trois rôles qui résument finalement assez bien
ce qu’il a construit depuis plus d’une décennie.

Afouz n’est pas seulement celui qui organise.
Il observe,
identifie,
connecte,
conseille,
met en scène
et parfois dit ce que l’artiste n’a pas nécessairement envie d’entendre.

Avant la scène : les VHS familiales

Son rapport à la culture commence très tôt.

Dans son enfance,
les vidéos regardées chez ses parents
font se rencontrer plusieurs mondes :
OK Jazz, Zaïko, Michael Jackson et Koffi Olomidé.

Une éducation visuelle autant que musicale.
Le spectacle,
la danse,
la performance
et les grandes figures de la musique congolaise
entrent très tôt dans son imaginaire.

02 • Du sport à la danse

Le détour qui change tout

Avant la danse,
Afouz pratique les arts martiaux.

Des raisons médicales l’obligent cependant à arrêter.
Ce qui aurait pu n’être qu’une frustration
ouvre finalement une autre porte.

« J’étais un jeune pratiquant d’art martial
et pour des raisons médicales j’ai dû arrêter.
Je me suis orienté vers la danse
grâce à un certain Jessy Matador. »

Ce « certain Jessy Matador » deviendra une pièce importante
du début de son histoire artistique.

Dans le portrait NEW KG publié en 2017,
Afouz rappelait notamment avoir fait partie
de la Seleçao de Jessy Matador en 2005
en tant que danseur.

Archives NEW KG • 2017

Avant Melting Crew, plusieurs années à apprendre le terrain

Relire le portrait publié par NEW KG en 2017
permet de comprendre que Melting Crew
n’est pas apparu de manière isolée.

Avant de créer son propre rendez-vous,
Afouz accumule déjà les expériences
dans la danse,
le management
et la production artistique.

2005 —
danseur au sein de la Seleçao de Jessy Matador.

2008 —
membre du jury du Battle Afro.

2009 —
management artistique autour du Battle Afro à La Cigale.

2010 —
accompagnement de Lil Unit,
notamment dans les compétitions hip-hop
et leur parcours télévisé.

2011 —
accompagnement de Unit D.C,
sacré champion du monde UDO à Blackpool selon le portrait NEW KG de l’époque.

2012 —
lancement de la première édition du Melting Crew.

En parallèle,
Afouz et Élodie créent KIMIA AND CO,
association pensée pour organiser des événements culturels
tout en favorisant la mixité sociale.

03 • Naissance de Melting Crew

Réunir ce que les scènes séparaient encore

L’idée de Melting Crew naît d’un manque.

Afouz constate alors que les événements urbains
mettent rarement sur une même scène
le hip-hop,
les danses africaines
et plus largement les nouvelles cultures afro-urbaines.

« Il y avait peu d’événements
qui réunissaient l’ensemble des arts urbains,
comme le hip-hop et l’afro-urbain. »

L’ambition devient alors plus grande
qu’un simple concours de danse :
créer un lieu où différentes expressions artistiques
peuvent se rencontrer,
mais surtout où de jeunes talents
peuvent accéder à une scène.

04 • Le véritable changement

Tendre la main aux talents de demain

Lorsqu’il repense aux premières années du projet,
Afouz considère que le choix le plus important
n’a pas été une scénographie,
une programmation
ou un changement de formule.

C’est le moment où Melting Crew
assume pleinement une mission :
mettre les jeunes talents afro-urbains de demain à l’honneur.

« Le fait de mettre les jeunes talents afro-urbains
de demain à l’honneur en leur tendant la main. »

Et pourtant, le projet a failli s’arrêter

Le succès n’a pas toujours été immédiat.

Afouz se souvient notamment d’une deuxième édition
ayant enregistré moins d’entrées que la première.

De quoi remettre sérieusement le projet en question.

Le déclic qui permet de continuer
arrive ensuite loin de Fontenay-sous-Bois :
au Congo-Brazzaville.

« Ce qui nous a fait continuer,
c’est mon voyage au Congo-Brazzaville,
où j’ai été inspiré par le festival FESPAM. »

05 • France ↔ Congo

Quand le voyage élargit le projet

Entre les premières éditions
et le voyage en Afrique,
Afouz comprend que Melting Crew
ne peut pas rester uniquement centré sur la danse.

Certains danseurs qu’il accompagne
veulent déjà suivre une trajectoire similaire
à celle de Jessy Matador :
passer de la performance chorégraphique
à une carrière musicale ou scénique plus large.

Le projet s’ouvre alors progressivement
à la musique,
aux performances,
aux artistes,
aux humoristes
et à différentes expressions culturelles.

Pour Afouz,
l’art était devenu trop vaste
pour réduire Melting Crew à la seule danse.

Cette relation avec le Congo se concrétise également
avec un Melting Crew Tour à Brazzaville en 2015,
expérience qu’Afouz évoquait encore plusieurs années plus tard
lorsqu’il parlait de son ambition
de renouveler une édition sur place.

Les années suivantes

Melting Crew après le portrait NEW KG de 2017

L’histoire racontée par NEW KG en 2017
ne représentait donc pas une fin.

Le projet a continué à grandir.

2018 —
une 7e édition est organisée à Fontenay-sous-Bois,
avec danse, musique, humour et Melting Crew Awards.

2019 —
une nouvelle édition poursuit le développement
du rendez-vous afro-urbain.

2020–2021 —
deux éditions sont annulées dans le contexte de la pandémie.

2022 —
Melting Crew revient à Fontenay-sous-Bois
pour célébrer ses dix ans,
avec notamment Roga Roga parmi les invités.

2023 —
la 11e édition choisit de se tourner davantage
vers la nouvelle génération et les talents repérés
notamment via les réseaux sociaux.

2024 —
une nouvelle édition est documentée sous l’appellation
Melting Crew Awards 2024 / MCA12.

Un parcours qui donne une nouvelle dimension
aux propos d’Afouz lorsqu’il parle aujourd’hui
de Melting Crew comme d’un projet
ayant marqué une génération afro-urbaine.

06 • Transmettre

Le talent ne remplace jamais le travail

Son passé sportif continue
à influencer sa manière d’accompagner les artistes.

Afouz a fréquenté des sportifs de haut niveau
et en retient une notion essentielle :
la discipline.

« Sans travail, le talent ne sert à rien. »

Une conviction qui explique aussi
le rôle de « régulateur »
qu’il revendique aujourd’hui.

07 • Nouvelle génération

Les réseaux ne remplacent pas la scène

Afouz reconnaît volontiers
que la nouvelle génération maîtrise mieux
certains outils numériques.

Mais il observe également
un risque :
celui de concentrer la construction artistique
sur TikTok,
Instagram,
les Reels
ou les contenus courts
et de négliger la performance scénique.

« La captation du public se travaille. »

Cette phrase résume presque
toute sa philosophie de la scène.

Faire quelques secondes efficaces devant une caméra
n’est pas le même exercice
que tenir un public pendant un concert.

08 • Dire la vérité aux artistes

Encourager ne veut pas dire tout valider

Avec l’expérience,
Afouz reconnaît qu’il devient parfois difficile
de rester exigeant avec un talent
lorsqu’on veut simultanément l’encourager
et lui donner confiance.

Pourtant,
il considère cette franchise indispensable.

« Les artistes sont le plus souvent entourés
de “maîtres oui-oui”
qui ne sont pas forcément objectifs.
Le but est de les faire progresser
en les mettant face à leurs vérités.
Il n’y a qu’ainsi qu’on progresse. »

09 • La force du collectif

Une culture où le live se construit à plusieurs

Le lien entre la France et le Congo
influence profondément sa manière
d’imaginer un événement.

Afouz explique venir d’une culture
où le collectif reste essentiel au live.

Les instrumentistes,
les artistes,
les techniciens
et les différentes personnalités présentes
doivent fonctionner ensemble.

Pour Afouz,
c’est la symbiose des instrumentistes
qui participe à la réussite d’un live.

Cette logique collective
influence aussi son rôle de mentor :
chercher les meilleurs talents,
réunir les bonnes personnes
et créer un environnement
où chacun peut contribuer à la réussite du spectacle.

10 • Professionnaliser

Quand les formats de concert changent

Afouz aimerait aujourd’hui
contribuer davantage à la professionnalisation
des artistes évoluant dans les cultures africaines
et afro-urbaines.

Il observe notamment
que certains artistes restent mal préparés
aux nouveaux formats de concerts plus courts,
où le temps de scène,
les transitions
et l’efficacité de la performance
doivent être maîtrisés avec précision.

Derrière cette remarque,
on retrouve encore la même idée :
la scène est un métier.

11 • Et Afouz dans tout ça ?

Quand celui qui construit pour les autres doit penser à lui

Consacrer autant de temps
à des artistes,
des événements
et des projets collectifs
entraîne aussi une conséquence plus intime :
on peut finir par s’oublier.

Afouz ne le cache pas.

« On a tendance à s’oublier,
mais c’est la marque des grands passionnés de la culture.
D’où ma pause actuellement,
où je me plais à être à la place des clients. »

Une pause qui change le point de vue :
après des années en coulisses,
regarder à nouveau les événements depuis le public.

L’héritage

Une génération afro-urbaine

Afouz considère aujourd’hui
que Melting Crew a marqué une génération
en donnant une place à de nombreux talents
de la scène afro-urbaine.

Il évoque plus de 500 vidéos publiées,
une réputation de tremplin
et des rencontres avec des artistes
comme Fally Ipupa,
Roga Roga,
KeBlack ou Naza.

Mais lorsque la question devient personnelle,
l’impact est différent :
confiance,
estime de soi,
réseau,
rencontres et reconnaissance.

Conclusion

Du danseur au passeur

Lorsque NEW KG rencontrait Afouz en 2017,
Melting Crew était déjà devenu
bien plus qu’un événement de danse.

Presque dix ans plus tard,
la continuité du projet permet de lire son parcours autrement.

Il y a eu Jessy Matador.
Les battles.
Lil Unit.
Unit D.C.
Le management.
KIMIA AND CO.
Les premières éditions de Melting Crew.
La remise en question.
Le Congo.
Le FESPAM.
Les Awards.
Les artistes devenus reconnus.
Les nouvelles générations.

Et derrière toutes ces étapes,
une transformation apparaît :
Afouz est progressivement passé
du rôle de danseur
à celui de manager,
puis d’organisateur,
de producteur,
de mentor
et finalement de passeur.

Son ambition n’est plus uniquement
de remplir une salle.

Elle est aussi de transmettre
les codes,
l’exigence,
la discipline
et cette culture de la scène
qui l’a lui-même construit.

Ce que Melting Crew lui a donné

« La confiance et l’estime de moi-même. »

NEW KG • Est-ce que tu me connais ?

Après toutes ces années à révéler les autres… est-ce qu’on connaît vraiment Afouz ?

Derrière Melting Crew apparaît
un passionné de culture
qui a transformé sa curiosité,
ses expériences et ses deux territoires
en outil de rassemblement et de transmission.

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25 octobre 202624 octobre 2026 Christy A la une|Interview|Musique

Tiemoko : la longévité comme conviction, Summer Watts comme lumière

NEW KG • EST-CE QUE TU ME CONNAIS ? • ÉPISODE 06

Portrait • Tiemoko

Tiemoko : durer sans se perdre

Il fait du rap depuis suffisamment longtemps pour avoir vu les modes,
les codes et l’industrie se transformer. Pourtant, Tiemoko continue
d’avancer avec la même conviction : protéger la passion, le plaisir
de créer et cette envie de prendre le micro tant qu’elle restera intacte.
Entre « Longévité » et « Summer Watts », il se confie à NEW KG.

L’homme des gens

Si Tiemoko devait se présenter sans parler de son métier,
de son âge ou de son parcours, il commencerait par son prénom.
Parce que Tiemoko n’est pas un nom de scène.
C’est son vrai prénom, et sa signification dit déjà quelque chose
de celui qu’il veut être : « l’homme des gens ».

01 • Le temps comme révélateur

Quand arrêter devient la preuve qu’il faut continuer

Il existe parfois un moment où une passion doit répondre
à une question beaucoup plus concrète :
à quoi sert-elle si elle ne permet pas d’en vivre ?

Pour Tiemoko, cette confrontation arrive dans sa vie de couple.
Sa compagne de l’époque lui fait comprendre qu’il devrait peut-être
arrêter la musique puisqu’elle ne lui apporte pas de salaire.

Et paradoxalement, c’est précisément là qu’il comprend
qu’elle ne quittera pas sa vie.

“

Je l’ai compris quand on m’a fait comprendre
qu’il fallait que j’arrête parce que ça ne rapportait pas un salaire.

Continuer malgré ce constat n’a donc rien d’un automatisme.
C’est déjà un choix.

Et probablement la première définition de cette
longévité qui deviendra progressivement
l’un des mots-clés de son parcours.

Positif dès les premiers textes

Lorsqu’il relit mentalement ses premiers textes,
Tiemoko retient deux choses qui lui ressemblent encore aujourd’hui :
une écriture positive et l’absence de grossièreté.

Plusieurs années, plusieurs projets et plusieurs époques plus tard,
cette volonté de chercher de la lumière,
même lorsqu’il parle des difficultés,
reste présente dans sa musique.

02 • Plusieurs époques du rap

Quand la musique change, toute la chaîne change avec elle

Tiemoko a traversé suffisamment d’années de rap
pour observer la transformation de la musique,
des artistes et de l’industrie simultanément.

Il voit notamment les États-Unis continuer à impulser
une partie des flows, des tendances,
des compositions et des nouveaux sous-genres
qui viennent ensuite influencer les autres scènes.

Mais son regard devient beaucoup plus critique
lorsqu’il parle de l’industrie.

Pour lui, la logique du profit ne coïncide pas toujours
avec l’intérêt des artistes. Les contrats,
les codes de visibilité et la nécessité de rentrer dans certaines cases
peuvent progressivement modifier la relation que l’on entretient
avec sa propre création.

Dans ce contexte, durer devient donc autant une question musicale
qu’une capacité à ne pas perdre de vue les raisons
pour lesquelles on a commencé.

03 • Longévité

Durer ne veut pas dire rester immobile

Chez Tiemoko, la longévité n’est pas une posture construite
après coup.

Elle existe d’abord parce qu’il est toujours là.

Mais rester ne signifie pas rester identique.

« C’est très facile de se perdre en chemin,
surtout quand le chemin est long.
[…] Nous sommes comme les saisons et le temps,
avec des histoires qui nous font évoluer. »

La fidélité à soi-même n’exclut donc pas la transformation.
Elle impose plutôt de savoir distinguer
ce qui peut évoluer de ce qui mérite d’être protégé.

Un tournant

Sunday School : une autre architecture musicale

Parmi les moments qui ont véritablement déplacé quelque chose
dans son rapport à la musique,
Tiemoko cite Sunday School.

L’événement se déroule au Trabendo,
anciennement Hot Brass,
et est présenté par Sydney.
Après audition, des artistes peuvent être sélectionnés
pour interpréter un morceau accompagné par des musiciens professionnels.

Tiemoko est retenu.

Sur place, il rencontre le groupe Soulkadelic.
Cette connexion lui ouvre les portes d’univers
qu’il approfondira ensuite à travers des artistes
comme J Dilla, Slum Village ou Common.

« Ça a été une révélation pour mon architecture musicale. »

04 • Sortir de sa zone de confort

Continuer implique parfois de réapprendre

Avec les années,
certaines habitudes artistiques peuvent devenir rassurantes.

Mais pour Tiemoko,
continuer à avancer nécessite parfois
de se faire violence et de changer son workflow.

Il cite un exemple très concret :
l’enregistrement.

Longtemps, mettre lui-même le nez
dans les logiciels de recording lui mettait la pression.
Il a récemment décidé d’investir dans du matériel
afin de pouvoir désormais s’enregistrer par ses propres moyens.

Un geste apparemment technique,
mais qui résume bien sa manière de penser la longévité :
ne jamais considérer que sa méthode est définitive.

Ce qu’il faut protéger

La passion avant les chiffres

« Je protège surtout la passion,
l’amour de la pratique
et le plaisir de créer. »

Cette protection est devenue d’autant plus importante
que la musique se mesure aujourd’hui en abonnés,
en écoutes et en performances visibles.Tiemoko observe qu’une personne qui apprend
qu’un artiste fait de la musique
demande parfois immédiatement
s’il en vit,
combien il a d’abonnés
ou quels chiffres affiche son Spotify,
avant même de s’intéresser aux morceaux.

Ne pas se protéger de cette logique peut,
selon lui, conduire à l’aigreur et au dégoût
simplement parce que « ça ne pète pas ».

Sa réponse consiste donc à revenir à l’origine :
aimer pratiquer,
aimer écrire,
aimer créer
même lorsque la récompense extérieure tarde à arriver.

Écouter Tiemoko

Entrez dans la Tiemosphère

Retrouvez « Longévité », « Summer Watts »
et les différentes étapes du parcours musical de Tiemoko.

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05 • Écrire ce qui traverse

La production donne souvent le premier mouvement

Lorsqu’il écrit aujourd’hui,
Tiemoko part très souvent de la production.

C’est elle qui déclenche le rythme,
la première impulsion
et la direction du texte.

Mais l’inspiration peut aussi venir
d’une discussion,
d’un film,
d’une citation
ou simplement d’un bon moment partagé
avec sa famille ou ses amis.

Avec les années,
la fonction de l’écriture a également changé.

Avant, il ne percevait pas nécessairement
l’écriture comme un exutoire.
Aujourd’hui, elle le devient de plus en plus.

Se livrer n’est pas naturel pour lui.
Pourtant, il ressent désormais davantage
le besoin de le faire,
et surtout le sentiment d’être enfin prêt.

06 • Mali

Parler de ses origines : l’évidence la plus difficile

Il existe pourtant un sujet
que Tiemoko n’a pas encore réussi
à déployer totalement dans sa musique :
le Mali.

Ses origines l’accompagnent,
apparaissent progressivement
dans sa manière de s’habiller
et commencent aussi à entrer dans ses chansons.

Mais raconter pleinement ce rapport
à son pays d’origine reste plus complexe
que l’évidence du sujet pourrait le laisser penser.

« C’est tellement évident,
mais pas aussi facile que ça.
C’est un épisode à suivre. »

Une première porte existe déjà avec
« La Graille De La Mama »,
où la nourriture devient un moyen
de parler de transmission,
de famille
et de double culture.

07 • Summer Watts

Mettre davantage de lumière après une période difficile

Sur Summer Watts,
quelque chose paraît plus lumineux.

Tiemoko ne dit pourtant pas
avoir construit cette énergie autour d’un concept rigide.

Le projet naît dans l’énergie du moment,
porté par les productions sélectionnées
et par des titres qui se sont parfois imposés tardivement.

« Si on écoute mes albums,
il y a souvent de la lumière et de la good vibe.
Mais sur Summer Watts, il y en a plus. »

Tiemoko avance lui-même une hypothèse :
cette lumière pourrait être une manière
de contrebalancer la période difficile
qu’il a traversée au début de 2026.

La bonne énergie n’est donc pas nécessairement
l’absence de difficultés.

Elle peut aussi devenir
une réponse à celles-ci.

Une vie en morceaux

Les différentes versions de Tiemoko

Lorsqu’on lui demande quels titres permettent
de comprendre les différentes versions de son parcours,
Tiemoko ne choisit pas un seul morceau.

Mokostyle
Fragments De Vie
Boulanger
J’rap Remix
Poing en L’r
Slow Down
Longévité
Tiemo Summer Chill

08 • Deux projets, une même trajectoire

« Longévité » regarde le chemin. « Summer Watts » continue d’avancer.

Les deux projets peuvent presque être lus
comme deux faces complémentaires du même artiste.

Longévité porte le poids du temps,
de la résistance,
de la transformation
et de tout ce qu’il faut préserver
lorsqu’on pratique son art sur la durée.

Summer Watts,
lui, remet davantage de soleil,
de mouvement,
de sourire
et de plaisir dans le cadre.

L’un dit : « je suis encore là ».
L’autre répond : « et j’ai encore envie de kiffer. »

À la nouvelle génération

« Pourquoi tu fais de la musique ? »

Si un jeune artiste lui demandait aujourd’hui
comment construire une carrière capable de durer,
Tiemoko commencerait par une question,
pas par une stratégie.

« Pourquoi tu fais de la musique ? »

Puis il lui conseillerait de s’accrocher à cette réponse.
Parce que pratiquer son art doit,
selon lui, relever d’une conviction
suffisamment sincère et profonde
pour que le temps ne puisse pas la briser.

Conclusion

La longévité n’est pas le nombre d’années. C’est ce qui reste intact.

Le parcours de Tiemoko ne raconte pas simplement
un artiste qui fait du rap depuis longtemps.

Il raconte quelqu’un qui a dû répondre plusieurs fois
à la même question :
est-ce que ça vaut encore la peine de continuer ?

Quand l’argent n’était pas au rendez-vous.
Quand les règles de l’industrie changeaient.
Quand il fallait sortir de sa zone de confort.
Quand les réseaux réduisaient parfois la valeur d’un artiste
à quelques chiffres.
Quand la vie elle-même imposait d’autres priorités.

Pourtant, la réponse est restée.

La passion.
La pratique.
Le micro.
L’écriture.
Le plaisir.
La scène.
Et cette envie de continuer à apprendre.

Peut-être est-ce finalement cela,
la véritable définition de la longévité :
accepter de changer sans laisser disparaître
la raison profonde pour laquelle on a commencé.

Le dernier mot

« Pratiquer son art doit être une conviction sincère et profonde
que le temps ne peut briser. »

NEW KG • Est-ce que tu me connais ?

Après toutes ces années… est-ce qu’on connaît vraiment Tiemoko ?

Derrière la longévité apparaît surtout un artiste
qui continue de se transformer,
de chercher,
d’apprendre
et de protéger l’essentiel :
le plaisir de faire de la musique.

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19 octobre 202618 octobre 2026 Christy Musique|Nouveautés musicales

Marwa Loud dévoile le clip « PIM-POM », un nouveau single aux sonorités bouyon

NEW KG

MUSIC • CULTURE • WORLD

NEW RELEASE • MUSIC VIDEO

MUSIQUE • FRANCE • 16 OCTOBRE 2026

MARWA LOUD
PIM-POM

Marwa Loud fait monter la température avec un nouveau single aux sonorités bouyon et dévoile son clip.

Marwa Loud, nouvelle sortie PIM-POM, octobre 2026 — MARWA LOUD — PIM-POM (2026)

Marwa Loud est de retour. Après
Fendi Gang aux côtés de TK, la chanteuse
poursuit son actualité musicale avec
« PIM-POM », un nouveau single
disponible depuis le 16 octobre 2026.
Au programme : une énergie festive, des rythmes
entraînants et une incursion dans l’univers du bouyon.

Une nouvelle énergie, entre bouyon et affirmation de soi

Avec « PIM-POM », Marwa Loud explore les sonorités
du bouyon, un genre musical caribéen connu pour
ses rythmes rapides et son énergie dansante.
L’artiste y apporte sa signature mélodique,
mêlant refrains accrocheurs et production percutante.

Mais derrière l’ambiance festive, le morceau porte
également un message affirmé : celui d’une femme
qui connaît ses attentes et revendique ses exigences
en amour. Une manière pour Marwa Loud de conjuguer
légèreté musicale et personnalité assumée.

« PIM-POM » : une énergie contagieuse,
des mélodies entêtantes et une nouvelle
couleur musicale pour Marwa Loud.

LE REGARD NEW KG

Marwa Loud poursuit son évolution musicale

Avec cette nouvelle sortie, Marwa Loud reste fidèle
à ce qui caractérise sa musique : des mélodies
facilement reconnaissables, des refrains fédérateurs
et une capacité à naviguer entre différentes
influences musicales.

Le choix du bouyon apporte une nouvelle dynamique
à son univers et confirme son envie d’explorer
des rythmes capables de réunir les auditeurs
sur la piste de danse.

NEW KG • VIDEO PREMIERE

DÉCOUVREZ LE CLIP

MARWA LOUD — PIM-POM

REGARDER SUR YOUTUBE ↗

L’ŒIL DE NEW KG

Un nouveau chapitre à suivre

Entre influences caribéennes, énergie festive
et caractère affirmé, « PIM-POM » offre
une nouvelle facette de Marwa Loud.
Un titre qui s’inscrit dans la volonté de
l’artiste de continuer à faire évoluer son
univers tout en conservant son identité.

Et vous, que pensez-vous de « PIM-POM » ?

Partagez votre avis et retrouvez toute
l’actualité musicale sur NEW KG.

SUIVRE @NEWKGOFFICIAL ↗

15 octobre 202614 octobre 2026 Christy Focus musique|Focus Pays|Musique

Grèce : du rebétiko à la pop, une odyssée musicale

NEW KG · FOCUS PAYS · GRÈCE

Racines & horizons

Des cordes du bouzouki aux productions électroniques : écouter un pays à travers ses héritages, ses grandes voix et ses nouvelles scènes.

Repères culturels · Vidéos · 20 titres sur Spotify

Un bouzouki, une terrasse et quelques pas de danse : l’image est familière. Elle raconte pourtant une petite partie des musiques de Grèce. Il faut aussi entendre les voix qui se répondent en Épire, les cordes frottées de Crète, les chansons populaires des villes, les textes devenus refrains collectifs et les productions qui circulent aujourd’hui entre pop, rock et électronique.

Ce Focus NEW KG propose un parcours pour relier ces univers sans les confondre. Du rebétiko à Marina Satti, de Domna Samiou à Σtella et Evita Manji, le fil conducteur est la transformation : ce que les artistes transmettent, ce qu’ils déplacent et ce qu’ils inventent. Notre playlist Spotify de 20 titres accompagne la découverte.

1. Musiques traditionnelles grecques : écouter les territoires

Parler de musique grecque au singulier efface une diversité essentielle. En Crète, la lyra est un instrument à archet : elle ne doit pas être confondue avec la lyre antique. Le laouto, à cordes pincées, appartient à un autre univers de timbres. Le bouzouki et le petit baglamas offrent encore d’autres couleurs. Le catalogue de l’association Domna Samiou permet de découvrir ces instruments dans leurs contextes régionaux.

Les musiques sont aussi des pratiques collectives. Lors des panigyria, fêtes locales souvent liées au calendrier religieux, le chant et la danse prennent place dans la vie des communautés. En Épire, le chant polyphonique donne à entendre plusieurs rôles vocaux complémentaires. Le programme La Caravane polyphonique a été sélectionné en 2020 au Registre des bonnes pratiques de sauvegarde de l’UNESCO : cette reconnaissance concerne le programme de transmission.

Ces héritages continuent de changer de cadre. Originaire d’Ioannina, le groupe Villagers of Ioannina City associe rock psychédélique et références musicales d’Épire. Zvara constitue une porte d’entrée vers ce travail de transformation. Le morceau invite à suivre une tradition lorsqu’elle rencontre une amplification et une énergie de groupe différentes.

À voir : Villagers of Ioannina City — Zvara. Publication du groupe : un prolongement rock des héritages d’Épire.
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2. Le rebétiko : une mémoire urbaine et populaire

Le rebétiko se développe dans les milieux populaires urbains au début du XXe siècle. Son histoire traverse les ports, les déplacements de populations et les circulations musicales entre la Grèce et l’Asie Mineure. Les arrivées de réfugiés dans les années 1920 contribuent à transformer ces scènes. Le Pirée est l’un de leurs lieux majeurs, sans être leur seule origine.

Les chansons abordent l’amour, l’absence, la précarité, l’exil ou les marges de la société. Une histoire seulement pittoresque laisserait de côté cette dimension sociale. Greek News Agenda retrace le passage du rebétiko des marges à une reconnaissance plus large, ainsi que le rôle de figures comme Markos Vamvakaris et Vassilis Tsitsanis.

L’inscription du rebétiko à l’UNESCO, en 2017 reconnaît une pratique vivante associant musique, chant, danse et transmission. Elle n’en fait pas un répertoire figé. Les interprétations et les lieux d’écoute continuent d’en renouveler le sens.

Pour comprendre : Rebetiko, film de présentation publié par l’UNESCO. Des repères sur les pratiques et leur transmission.
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3. Laïkó et éntekhno : quand la chanson rencontre la poésie

Deux termes reviennent souvent pour se repérer dans la chanson grecque. Le laïkó désigne un vaste champ de chanson populaire, dont les évolutions croisent notamment celles du rebétiko. L’éntekhno renvoie à une démarche de chanson composée qui accorde une place importante à la poésie. Ces catégories ont des frontières poreuses : elles servent à comprendre des trajectoires, pas à hiérarchiser les émotions.

Mikis Theodorakis et Manos Hadjidakis sont deux figures essentielles de ce dialogue. Avec Epitafios, enregistré en 1960 sur des poèmes de Yannis Ritsos, Theodorakis rapproche poésie, interprétation populaire et bouzouki. Le parcours du compositeur montre combien cet échange dépasse la seule musique de Zorba le Grec.

De son côté, Hadjidakis défend publiquement le rebétiko dès 1948 et développe une œuvre aux formes multiples. Ces compositeurs permettent d’entendre un lien durable entre écriture, mémoire collective et chanson. Dans notre sélection, Tis Dikeosinis Ilie Noite, interprété par Grigoris Bithikotsis, et Odos Oneiron offrent deux chemins pour poursuivre cette exploration.

À écouter : Tis Dikeosinis Ilie Noite, version du Mikis Theodorakis Orchestra publiée sur le canal officiel du compositeur. Enregistrement de concert, distinct de la version de la playlist.
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4. Grandes voix grecques : l’interprétation comme transmission

Une chanson change avec la personne qui la porte. Pour découvrir les grandes voix grecques, notre parcours rapproche Sotiria Bellou, Haris Alexiou, Eleftheria Arvanitaki et Domna Samiou. Ce sont quatre entrées dans des répertoires et des démarches différents, à découvrir au-delà d’une compilation de noms célèbres.

Dans la playlist, passez de Mi Mou Xanafygeis Pia à Panselinos, puis à la version en concert de Dynata. Prenez le temps de suivre les attaques, les silences et les changements d’intensité. Même sans comprendre le grec, cette attention permet de commencer à entendre le rôle de l’interprétation. Elle ne remplace pas le sens des paroles, qu’une traduction fiable viendra ensuite éclairer.

Le travail de collecte et de transmission associé à Domna Samiou rappelle aussi l’importance des personnes qui documentent les répertoires. Quant à Eleftheria Arvanitaki, sa collaboration avec Eleonora Zouganeli sur Rock Mpalanta, présentée sur son site officiel, prolonge cette idée de circulation entre les voix et les générations.

À voir : Eleftheria Arvanitaki & Eleonora Zouganeli — Rock Mpalanta. Clip officiel publié par Panik Records.
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5. Pop grecque actuelle : des héritages qui changent de forme

Marina Satti : faire circuler les références

Chez Marina Satti, les références grecques et balkaniques dialoguent avec la pop et les productions contemporaines. Cette démarche est décrite par son label Minos EMI et par la Fondation Onassis. Mantissa, paru en 2017, constitue un premier point d’entrée ; ZARI permet d’en ouvrir un autre.

L’intérêt de les rapprocher est de chercher ce qui se transforme : la place de la voix, l’organisation du rythme, la relation entre le collectif et la personne qui chante. Une scène contemporaine peut travailler ses références avec liberté, sans être tenue de présenter à chaque morceau un résumé du patrimoine national.

À voir : Marina Satti — Mantissa. Clip de 2017 publié sur la chaîne officielle de l’artiste.
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Σtella : une autre entrée dans la pop grecque

La scène actuelle passe également par Σtella. Son parcours chez Sub Pop relie une pop indépendante aux couleurs psychédéliques à des recherches personnelles. Up and Away, réalisé avec Redinho, figure dans notre sélection. Il ouvre un espace différent de celui de Marina Satti et rappelle qu’un même pays accueille plusieurs écritures pop.

Nous retenons aussi Belinda, single annoncé le 16 septembre 2026 et coproduit avec Rodaidh McDonald. La découverte peut ainsi faire dialoguer les repères d’un catalogue avec une parution récente, sans opposer systématiquement les anciennes et les nouvelles chansons.

À découvrir : Σtella — Belinda. Visualizer officiel ; single annoncé par Sub Pop le 16 septembre 2026.
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6. NEW KG Discovery : Evita Manji et les horizons électroniques

Pour déplacer encore le point d’écoute, notre sélection se termine avec Evita Manji. L’album Spandrel?, paru en 2023 chez PAN, relie écriture vocale, production électronique et formes expérimentales. Le label décrit notamment un travail sur le corps et l’autonomie, porté par une construction sonore qui traverse plusieurs univers.

Body/Prison est le titre retenu dans la playlist. Pour élargir la découverte, la publication audio de Vixen House est intégrée ci-dessous. L’exercice d’écoute est simple : suivre la manière dont la voix se place dans la production, puis revenir aux morceaux précédents. Ce rapprochement n’établit pas une filiation directe entre toutes ces musiques ; il permet de prendre la mesure de leurs différences.

Pour aller plus loin : Evita Manji — Vixen House, publication audio sur la chaîne Topic de l’artiste. Le titre choisi pour la playlist est Body/Prison.
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7. La playlist Spotify NEW KG : Grèce — Racines & horizons

Retrouvez 20 titres pour prolonger ce Focus sur le Spotify de NEW KG. La sélection va des repères du rebétiko aux grandes voix, puis à la pop, au rock et aux productions électroniques. Elle inclut aussi Vangelis, Monika et Melisses : un parcours de découverte, volontairement ouvert, plutôt qu’un classement définitif des musiques de Grèce.

LA SÉLECTION NEW KG · 20 TITRES

Grèce — Racines & horizons

Écouter la playlist sur Spotify ↗

Les 20 titres de la sélection

Markos Vamvakaris — Fragosiriani
Vassilis Tsitsanis — Synnefismeni kyriaki
Sotiria Bellou — Mi Mou Xanafygeis Pia – Remastered
Stelios Kazantzidis — Yparxo – Remastered 2011
Grigoris Bithikotsis — Tis Dikeosinis Ilie Noite
Mikis Theodorakis — Zorba’s Dance
Manolis Karantinis, Tania Tsanaklidou — Odos Oneiron
Haris Alexiou — Panselinos
Eleftheria Arvanitaki — Dynata – Live
Domna Samiou — Karotseris
Yannis Markopoulos, Nikos Xilouris — Agrimia Ki Agrimakia Mou
Vangelis — Conquest of Paradise
Monika — Over the Hill
Melisses — To Kyma
Marina Satti — Mantissa
Marina Satti — ZARI
Σtella, Redinho — Up and Away
Σtella — Belinda
Villagers of Ioannina City — Zvara
Evita Manji — Body/Prison

Pour commencer : trois écoutes, trois découvertes

Choisissez d’abord un morceau dont vous connaissez déjà l’artiste. Écoutez ensuite un titre d’un univers différent, puis une découverte totale. Gardez une question pour chaque passage : qu’est-ce qui retient votre attention, qu’aimeriez-vous comprendre et qu’avez-vous envie de réécouter ?

Revenez enfin à un repère de l’article : un lieu, un instrument, une pratique ou un nom. Ce petit détour transforme une playlist en exploration. Vous n’avez pas besoin de tout connaître pour commencer ; prendre le temps de distinguer les contextes enrichit déjà l’écoute.

Sources & repères pour approfondir

Repères documentaires et liens contrôlés le 14 octobre 2026. Les intitulés des morceaux ci-dessus reprennent les versions présentes dans la playlist.

13 octobre 202611 octobre 2026 Christy Afrique|Focus musique

Rumba congolaise : de Kinshasa à Brazzaville, l’histoire d’un patrimoine musical mondial

NEW KG · RADAR GENRES

RUMBA
CONGOLAISE

Des deux rives du fleuve Congo au patrimoine musical mondial

La rumba congolaise n’est pas seulement une musique à danser. Elle est une mémoire urbaine, une manière de raconter l’amour et la société, et un langage partagé par la République démocratique du Congo et la République du Congo.

De Kinshasa à Brazzaville, des premiers orchestres aux grandes formations modernes, elle s’est construite par les circulations : celles des rythmes, des disques, des langues, des musiciens et des publics. Son histoire ne peut donc pas être réduite à une seule ville, une seule génération ou une filiation musicale simplifiée.

LA RUMBA CONGOLAISE EN CINQ REPÈRES

Territoires

RDC et République du Congo

Capitales

Kinshasa et Brazzaville

Reconnaissance

Patrimoine culturel immatériel de l’UNESCO depuis 2021

Langues

Lingala, français et plusieurs langues congolaises

Signatures

Guitares cycliques, chant narratif, polyrythmie et sebene

01 · PATRIMOINE

La rumba congolaise, patrimoine vivant des deux Congo

L’UNESCO définit la rumba congolaise comme un genre musical et une danse présents dans les espaces urbains de la République démocratique du Congo et de la République du Congo. Son inscription, en 2021, sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité consacre officiellement une réalité ancienne : cette musique appartient aux communautés des deux côtés du fleuve.

Cette reconnaissance ne transforme pas la rumba en objet figé. Elle rappelle au contraire qu’un patrimoine vit parce qu’il se transmet, se discute et se réinvente. La rumba accompagne les mariages, les deuils, les fêtes, les débats politiques et la vie quotidienne. Ses chansons peuvent durer plusieurs minutes, laisser le récit se déployer, puis ouvrir un espace où la guitare et la danse prennent le relais.

Vidéo : « La rumba, patrimoine vivant des deux Congo » — dossier UNESCO.

02 · ORIGINES

Un aller-retour musical entre Afrique centrale et Caraïbes

Dire que la rumba congolaise « vient de Cuba » est trop court. Au début du XXe siècle, des disques afro-cubains circulent en Afrique centrale et séduisent les publics de Léopoldville et Brazzaville. Le son cubain — souvent commercialisé sous l’étiquette générale de « rumba » — fournit des modèles de chant, de clave et d’arrangement. Mais ces musiques caribéennes portent elles-mêmes l’empreinte de traditions africaines déplacées par l’histoire de la traite atlantique.

Les musiciens congolais ne reproduisent donc pas simplement un modèle étranger : ils reconnaissent, transforment et réancrent ces sonorités dans leurs propres pratiques. Les rythmes locaux, le maringa, les langues congolaises, la guitare, les percussions et les façons de raconter produisent progressivement une esthétique nouvelle.

À retenir : la rumba congolaise naît d’une circulation atlantique et d’une création locale. Elle n’est ni une copie ni le produit d’une seule rive.

À Brazzaville, Paul Kamba fonde Victoria Brazza en 1941 et compte parmi les grands pionniers de la musique urbaine moderne. À Léopoldville, Wendo Kolosoy et le guitariste Henri Bowane enregistrent en 1948 « Marie-Louise », succès fondateur qui installe une nouvelle manière de faire dialoguer la voix et la guitare.

À écouter : Wendo Kolosoy — « Marie-Louise » (version originale, 1948).

03 · ESSOR

Orchestres, indépendances et rayonnement africain

Dans les années 1950, les maisons de disques, les radios, les bars-dancings et l’électrification des instruments accélèrent la transformation du genre. Les orchestres deviennent de véritables laboratoires : guitares entremêlées, contrebasse puis basse électrique, cuivres, percussions et chœurs organisent une musique à la fois sophistiquée et populaire.

Grand Kallé et l’African Jazz donnent à cette modernité une portée politique. Enregistré dans le contexte de la Table ronde de Bruxelles, « Indépendance Cha Cha » devient en 1960 un hymne panafricain. La chanson célèbre l’émancipation du Congo tout en faisant de la rumba un langage compris bien au-delà de ses frontières.

À la même période, les formations se croisent et se recomposent : African Jazz, Rock-a-Mambo, OK Jazz, puis Afrisa International et Les Bantous de la Capitale. Les artistes passent d’un orchestre à l’autre et circulent entre les deux capitales, rendant toute lecture strictement nationale incomplète.

À écouter : Grand Kallé & L’African Jazz — « Indépendance Cha Cha ».

04 · KINSHASA

La rumba comme chronique sentimentale et sociale

À Kinshasa, deux grandes écoles structurent durablement l’imaginaire de la rumba. Celle de Franco Luambo et du T.P. OK Jazz privilégie souvent une pulsation dense, des guitares profondes et une observation mordante de la société. Celle de Tabu Ley Rochereau et de l’Afrisa International met en avant l’élégance mélodique, la souplesse vocale et des arrangements ouverts aux influences internationales.

Autour d’eux, des compositeurs et interprètes comme Simaro Lutumba, Madilu System, Dr Nico ou Papa Noël enrichissent le vocabulaire du genre. La chanson devient un récit long : elle met en scène les couples, la jalousie, la dignité, l’argent, les rapports de pouvoir et les contradictions de la vie urbaine.

« Mario », enregistré par Franco et le T.P. OK Jazz en 1985, illustre cette force narrative. Derrière une mélodie immédiatement mémorisable se trouve le portrait satirique d’un homme instruit qui vit aux dépens d’une femme plus âgée. La rumba fait danser, mais elle observe aussi son époque.

À regarder : Franco & Le T.P. OK Jazz — « Mario », avec sous-titres.

05 · BRAZZAVILLE

Brazzaville, une rive indispensable à l’histoire de la rumba

L’histoire est parfois racontée presque exclusivement depuis Kinshasa. Pourtant, Brazzaville est un foyer essentiel de création. Après les pionniers comme Paul Kamba, des musiciens tels que Jean-Serge Essous, Nino Malapet, Ganga Édo et Célestin Kouka participent aux grands orchestres de l’époque avant de fonder, en 1959, Les Bantous de la Capitale.

Cette école brazzavilloise cultive l’élégance des cuivres, la précision des arrangements et une grande attention portée à la mélodie. Elle se prolonge chez Franklin Boukaka, Pamelo Mounk’a, Côme Moutouari et Youlou Mabiala, puis dans une autre esthétique avec Extra Musica. « Horizon 2000 », composé par Roga-Roga et porté vocalement par Doudou Copa, rappelle que le groupe ne se résume pas à ses génériques dansants.

Le fleuve Congo sépare administrativement deux pays, mais il fonctionne musicalement comme un axe de circulation. Des musiciens de Brazzaville ont joué dans des formations établies à Léopoldville, tandis que les œuvres enregistrées sur une rive étaient aussitôt adoptées sur l’autre.

À écouter : Les Bantous de la Capitale — « Rosalie Diop ».

06 · GRANDES VOIX

Les femmes ne sont pas une note de bas de page

Les récits de la rumba ont longtemps privilégié les chefs d’orchestre et guitaristes masculins. Pourtant, les chanteuses ont transformé les thèmes, les présences scéniques et les points de vue du genre. M’Pongo Love impose une voix indépendante et aborde frontalement les relations affectives, l’infidélité et la condition féminine. Son interprétation de « Ndaya » demeure l’un des grands classiques du répertoire.

Avec l’Afrisa International, Mbilia Bel devient ensuite l’une des voix les plus importantes de la musique africaine des années 1980. Son phrasé, sa présence et des titres comme « Nakei Nairobi » démontrent que les femmes ne sont pas simplement choristes ou muses : elles sont des interprètes centrales, capables d’incarner et de déplacer tout l’imaginaire de la rumba.

Cette histoire doit aussi rester ouverte à Lucie Eyenga, Abeti Masikini, Tshala Muana et aux nombreuses artistes contemporaines qui prolongent la musique congolaise dans d’autres directions.

À regarder : Mbilia Bel — « Nakei Nairobi ».

07 · ÉVOLUTIONS

Rumba, soukous, sebene et ndombolo : ne plus tout confondre

À partir des années 1970, Zaïko Langa Langa, Papa Wemba et plusieurs générations de groupes accélèrent les rythmes, allègent parfois les cuivres et donnent plus de place aux guitares. Le soukous puis le ndombolo prolongent cette histoire, mais les termes ne sont pas interchangeables.

Terme	Ce qu’il désigne	Repère d’écoute
Rumba congolaise	Un genre fondé sur la mélodie, le récit vocal, les guitares cycliques et la danse.	Une progression souvent patiente, où le texte garde une place centrale.
Sebene	Une section instrumentale, pas un genre autonome.	Les guitares se répètent et s’intensifient pour porter la danse.
Soukous	Une évolution plus rapide et fortement tournée vers la danse.	Guitares brillantes, tempo soutenu et sebene développé.
Ndombolo	Un courant dansant popularisé dans les années 1990, avec une forte culture de l’animation.	Batterie plus frontale, cris d’animation et chorégraphies identifiables.

Un même artiste peut enregistrer une rumba lente, un titre soukous et un générique ndombolo. C’est pourquoi NEW KG a sélectionné des morceaux précis plutôt que de classer automatiquement toute la discographie d’un artiste dans un seul genre.

Koffi Olomidé développe notamment le tcha-tcho, tandis que la galaxie Wenge renouvelle le son des années 1990. Werrason et JB Mpiana conservent de grandes rumbas dans leurs répertoires parallèlement aux morceaux plus dansants. Extra Musica accomplit un mouvement comparable à Brazzaville. Aujourd’hui, Fally Ipupa et Ferré Gola poursuivent cette culture de la longue chanson sentimentale dans un environnement numérique et international.

À regarder : Koffi Olomidé — « Fouta Djallon ».

08 · ÉCOUTER

La playlist NEW KG : 22 rumbas pour traverser les générations

Cette sélection relie les pionniers, les grands orchestres de Kinshasa et Brazzaville, les voix féminines, les classiques sentimentaux et plusieurs figures modernes. Écoutez-la dans l’ordre pour entendre les guitares, les arrangements et les façons de chanter évoluer au fil des décennies.

GUIDE D’ÉCOUTE NEW KG

Commencez par suivre le récit et la manière dont la voix installe les personnages.
Repérez le dialogue entre guitare solo, mi-solo, accompagnement et basse.
Écoutez le moment où la chanson bascule vers le sebene.
Comparez les arrangements de Kinshasa et de Brazzaville sans les opposer artificiellement.
Terminez par les générations modernes pour entendre ce que la rumba conserve et transforme.

CONCLUSION

Écouter la rumba, c’est écouter une histoire en mouvement

La rumba congolaise relie les générations sans effacer leurs différences. Elle a accompagné les indépendances, raconté la vie des villes, fait circuler le lingala sur le continent et donné à la guitare congolaise une influence mondiale. Surtout, elle rappelle qu’une culture peut être profondément enracinée tout en restant ouverte aux échanges.

Pour poursuivre l’exploration, choisissez un morceau ancien et un morceau contemporain de la playlist. Comparez la place du texte, la durée de l’introduction, le rôle des guitares et l’arrivée du sebene. Vous entendrez moins une rupture qu’une conversation entre les époques.

Quelle rumba congolaise occupe une place particulière dans votre histoire ?

Partagez son titre avec NEW KG et transmettez cette sélection à une personne qui devrait découvrir les deux rives du fleuve Congo.

Sources et ressources

12 octobre 202611 octobre 2026 Christy Développement personnel|Motivation

Changer d’avis sans culpabiliser : se donner le droit d’évoluer

NEW KG · MONDAY MOTIVATION
12 OCTOBRE 2026

Se donner le droit
de changer d’avis.

Vos choix peuvent évoluer. Votre passé garde sa valeur.

Vous aviez défendu cette idée. Annoncé ce projet. Peut-être même convaincu vos proches qu’il s’agissait du bon choix. Aujourd’hui, quelque chose a changé. Pourtant, une petite phrase vous retient :
« Après tout ce que j’ai dit, je ne peux plus revenir en arrière. »

Une décision peut avoir été sincère et ne plus vous correspondre. Une opinion peut avoir semblé solide avant qu’une expérience, une rencontre ou une information nouvelle ne vienne la déplacer. Réviser votre position ne rend pas automatiquement votre jugement passé absurde : vous ne disposiez peut-être pas des mêmes éléments.

Comment changer d’avis sans culpabiliser ?
En prenant le temps de comprendre ce qui a changé, de distinguer les faits de la pression extérieure et d’assumer les conséquences de votre nouveau choix. Cette semaine, NEW KG vous propose cinq étapes pour évoluer avec davantage de clarté.

L’idée de la semaine

Vous pouvez respecter la personne que vous étiez et écouter celle que vous devenez.

01 / Le droit de changer

Pourquoi culpabilise-t-on quand on change d’avis ?

Lorsque nous avons annoncé un choix, nous pouvons avoir envie de rester fidèles à l’image donnée aux autres. Changer d’avis expose alors à une remarque, à une déception ou à la crainte de paraître peu fiable. La difficulté ne se limite plus à la décision : elle touche aussi la manière dont nous pensons être perçus.

À cela s’ajoute le poids de ce qui a déjà été investi : du temps, de l’énergie, parfois des efforts collectifs. Ces éléments méritent d’être reconnus. Ils ne répondent toutefois pas, à eux seuls, à la question de la suite. Demandez-vous :
« Avec ce que je sais aujourd’hui, choisirais-je encore cette option ? »

Dans sa conférence TED, Julia Galef invite à examiner nos convictions avec curiosité, plutôt qu’à chercher seulement à les défendre. Appliquée à une décision personnelle, cette démarche aide à regarder les nouvelles informations sans les traiter d’emblée comme une menace.

Un premier exercice :
écrivez les raisons de votre choix initial, puis les éléments apparus depuis. Une évolution devient plus compréhensible lorsque vous pouvez en retracer le chemin.

Votre passé garde sa valeur : les compétences, les rencontres et les découvertes ne disparaissent pas lorsque vous révisez votre décision.

Pour prolonger la réflexion — Julia Galef
Une invitation à examiner ce qui nous fait tenir à nos convictions.

TED · Version originale en anglais ·

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02 / Le droit de changer

Changer d’avis ou traverser un doute passager ?

Une mauvaise journée, une critique ou une première difficulté peuvent donner envie de tout remettre en question. Accordez-vous, si la situation le permet, un moment de recul avant une décision importante. Observez ce qui revient lorsque l’émotion du moment s’apaise.

Un changement réfléchi peut s’appuyer sur une information fiable, une expérience répétée, une priorité devenue plus importante ou un écart entre ce que vous imaginiez et ce que vous vivez. Aucun de ces indices n’est un verdict automatique : ils servent à ouvrir une réflexion.

Distinguez trois éléments

Le fait : qu’avez-vous réellement appris ou observé ?
L’interprétation : quelle conclusion en tirez-vous ?
La priorité : qu’est-ce qui compte le plus pour vous aujourd’hui ?

Par exemple, manquer une séance de votre atelier d’écriture est un fait. En conclure que vous n’êtes « pas fait pour écrire » est une interprétation. Vouloir davantage de temps pour créer seul est une préférence à examiner. Les trois n’appellent pas la même réponse.

Vous pouvez aussi découvrir que votre première décision reste la bonne. Vous donner le droit de changer d’avis, c’est vous autoriser à réexaminer votre choix, puis à le confirmer ou à le modifier.

Pour prolonger la réflexion — Kathryn Schulz
Une réflexion sur notre difficulté à reconnaître que nous pouvons nous tromper.

TED-Ed · Version originale en anglais ·

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03 / Le droit de changer

Cinq questions pour changer d’avis sans culpabiliser

Avant de demander plusieurs avis, formulez le vôtre par écrit. Quelques lignes suffisent. L’objectif est de comprendre votre position sans la remodeler immédiatement pour obtenir l’approbation de votre entourage.

Qu’est-ce qui a changé ?
Identifiez un élément précis : information, expérience, contrainte ou priorité.
Qu’est-ce que je souhaite conserver ?
Une valeur, une relation, une compétence ou une partie du projet peut rester essentielle.
Si personne ne me jugeait, que choisirais-je ?
Cette question aide à repérer le poids du regard extérieur, sans ignorer les personnes concernées.
Quelles conséquences dois-je prendre en compte ?
Regardez vos engagements, le temps nécessaire et les ajustements à discuter avec les autres.
Quelle information pourrait encore faire évoluer mon avis ?
Garder cette question ouverte évite de transformer une nouvelle conviction en certitude intouchable.

Pour certains choix, plusieurs options restent défendables. La philosophe Ruth Chang explore cette difficulté dans sa conférence sur les décisions complexes. Vous pouvez chercher une option cohérente avec vos priorités sans exiger qu’elle efface toute hésitation.

Votre phrase repère :
« Je souhaite revoir ce choix parce que… Ce que je veux préserver, c’est… Ce qu’il me reste à vérifier, c’est… »

Pour prolonger la réflexion — Ruth Chang
Un éclairage sur les décisions pour lesquelles aucune option ne s’impose facilement.

TED · Version originale en anglais ·

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04 / Le droit de changer

Tester une nouvelle option avant de tout changer

Lorsque c’est possible, transformez votre hésitation en expérience limitée. Vous envisagez un autre format créatif ? Réalisez un prototype. Une nouvelle activité vous attire ? Essayez une séance. Vous voulez modifier votre organisation ? Testez un créneau différent pendant une période définie.

Précisez ce que vous souhaitez apprendre, le temps que vous pouvez y consacrer et la date à laquelle vous ferez le point. Un essai utile doit vous apporter une observation concrète, même si sa conclusion est de conserver votre fonctionnement actuel.

Exemple : un projet créatif à revoir

Vous aviez prévu de publier une vidéo chaque semaine, mais vous aimez surtout écrire. Pendant deux semaines, remplacez une vidéo par un texte court. Observez le temps de préparation, votre intérêt pour le travail et la qualité de ce que vous produisez.

Au bilan, choisissez de poursuivre, d’ajuster ou d’arrêter cet essai. Les réactions du public sont un élément parmi d’autres, au même titre que votre envie et vos contraintes.

Dans sa courte conférence, Matt Cutts raconte ses expériences menées sur trente jours. Ce format peut inspirer un test personnel ; il ne constitue pas une durée universelle pour prendre une décision ou installer une habitude. Choisissez une période adaptée à votre situation.

Pour prolonger la réflexion — Matt Cutts
Un exemple d’expérimentation limitée dans le temps pour passer de l’idée à l’expérience.

TED-Ed · Version originale en anglais ·

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05 / Le droit de changer

Comment expliquer son changement d’avis aux autres ?

Vous n’avez pas besoin de raconter chaque hésitation pour rendre votre évolution compréhensible. Une explication courte peut suffire : rappeler le choix initial, nommer ce qui a changé et présenter la suite que vous envisagez.

Si d’autres personnes se sont organisées à partir de votre décision, reconnaissez cet impact. Prévenez-les dès que possible et cherchez avec elles une transition concrète. Vous donner de la liberté reste compatible avec l’attention portée aux engagements pris.

Une formulation à adapter

« Quand j’ai fait ce choix, il correspondait à ma situation. Depuis, j’ai compris que… Je souhaite donc… Je sais que cela change notre organisation : voici ce que je propose pour la suite. »

Laissez ensuite à l’autre la possibilité de réagir. Écouter une déception ne vous oblige pas à annuler votre réflexion. Cela peut vous aider à préciser votre décision, à corriger un malentendu ou à trouver un arrangement.

La conférence de Celeste Headlee sur la conversation donne une place centrale à l’écoute, à la clarté et à la concision. Ce sont des repères utiles pour parler d’un changement sans transformer l’échange en plaidoyer interminable.

Pour prolonger la réflexion — Celeste Headlee
Des pistes pour expliquer son point de vue tout en laissant une place à celui de l’autre.

TED · Version originale en anglais ·

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La sélection musicale NEW KG

Le droit de changer : votre playlist Motivation

Accordez-vous un temps d’écoute pour accompagner cette réflexion.
Le droit de changer — NEW KG Motivation
réunit dix titres autour de l’évolution, de l’élan et de l’attention à soi. Écoutez la playlist pendant une marche, un trajet ou un moment consacré à votre carnet.

Écouter la playlist sur Spotify ↗

Questions fréquentes sur le changement d’avis

Est-ce un manque de confiance de changer d’avis ?

Un changement d’avis ne permet pas, à lui seul, de conclure à un manque de confiance. Regardez ce qui le motive : une information nouvelle, une priorité clarifiée ou la recherche d’une approbation extérieure. Comprendre cette raison est plus utile que de vous attribuer une étiquette.

Faut-il être certain avant de revoir une décision ?

Vous pouvez prendre le temps de vérifier ce qui reste incertain et choisir une étape réversible. Plus les conséquences sont importantes, plus il est utile de recueillir les informations nécessaires et de discuter avec les personnes concernées.

Comment assumer d’avoir défendu une autre opinion ?

Nommez simplement ce qui a fait évoluer votre regard. Vous pouvez reconnaître une erreur factuelle, remercier une personne qui vous a éclairé ou expliquer qu’une priorité a changé. Vous n’avez pas besoin de dévaloriser tout votre passé pour être honnête sur votre position actuelle.

Cette semaine, accordez-vous une révision.

Choisissez une décision ou une conviction que vous souhaitez réexaminer. Prenez dix minutes pour noter :

Ce que vous pensiez au départ.
Ce que vous savez ou souhaitez aujourd’hui.
Une vérification, une conversation ou un petit essai à programmer.

Fixez ensuite un moment pour faire le point. Vous pourrez confirmer votre choix, l’ajuster ou en prendre un autre. Votre tâche est de décider avec les éléments dont vous disposez aujourd’hui, en tenant compte de ce que vous avez appris.

Sur quel sujet vous donnez-vous le droit de changer d’avis ? Partagez votre réflexion avec NEW KG sur Instagram.

28 septembre 202627 septembre 2026 Christy Développement personnel|Motivation

Changer de direction sans repartir de zéro : comment avancer autrement

NEW KG · MONDAY MOTIVATION · 28 SEPTEMBRE 2026

Le chemin peut changer.
Votre histoire continue.

Vous pouvez prendre une autre voie sans effacer celle qui vous a construit.

Vous avez peut-être avancé longtemps dans une direction qui, autrefois, avait du sens. Vous y avez consacré des heures, fait des choix, rencontré des personnes, développé des compétences. Puis une question s’installe : « Est-ce encore la voie que je veux suivre ? »

Cette question ne rend pas votre parcours inutile. Elle invite à regarder honnêtement ce qui vous correspond aujourd’hui. Changer de direction sans repartir de zéro, c’est reconnaître tout ce que vous emportez avec vous, puis décider de la suite avec davantage de clarté.

Il n’est pas nécessaire de tout bouleverser demain. Le premier mouvement peut être plus simple : faire le point, distinguer une fatigue passagère d’un décalage durable, et tester un pas à votre mesure.

1. Reconnaître le décalage sans se juger

Une mauvaise semaine ne signifie pas toujours qu’il faut changer de vie. Une charge trop lourde, un manque de repos ou un conflit ponctuel peuvent altérer le regard que vous portez sur votre situation. Mais un malaise qui revient, malgré les pauses et les ajustements, mérite d’être écouté.

Avant de prendre une grande décision, nommez précisément ce qui ne vous ressemble plus. Est-ce le rythme, la manière de travailler, les personnes autour de vous, ou l’objectif lui-même ? La réponse change les options possibles : parfois, il faut une pause ; parfois, une nouvelle façon de faire ; parfois, une autre direction.

2. Persévérer ou s’entêter : quelle différence ?

Persévérer a du sens quand l’effort vous rapproche encore d’un objectif qui compte pour vous. S’entêter, c’est parfois continuer surtout parce que vous avez déjà tant donné. Le temps investi est réel ; il ne peut pourtant, à lui seul, décider de la valeur de vos prochains mois.

En psychologie de la décision, on appelle effet des coûts irrécupérables cette tendance à prolonger un engagement après y avoir investi du temps, de l’énergie ou de l’argent. Les travaux d’Arkes et Blumer l’ont étudiée. Ce repère n’ordonne pas de partir : il aide à évaluer la suite pour ce qu’elle peut vous apporter maintenant.

La bonne question n’est pas seulement : « Puis-je encore tenir ? »

Demandez-vous plutôt : « Si je choisissais cette voie aujourd’hui, avec ce que je sais maintenant, la choisirais-je encore ? Et que faudrait-il changer pour qu’elle ait de nouveau du sens ? »

3. Changer de cap n’efface pas vos acquis

Un changement de direction n’est pas un retour à la case départ. Même quand le projet se transforme, plusieurs éléments de l’ancien chemin continuent de vous servir :

Les compétences : ce que vous savez organiser, créer, résoudre, transmettre ou apprendre.
Les liens : les rencontres, les soutiens et les perspectives découverts en route.
La connaissance de vous-même : ce qui vous donne de l’élan, ce qui vous épuise et ce que vous ne voulez plus négocier.

Vous n’avez pas à présenter chaque ancienne décision comme une erreur pour légitimer la nouvelle. Elle vous a conduit jusqu’au point où vous pouvez choisir autrement.

« Vous pouvez changer de destination sans renier la route qui vous a appris à avancer. »

4. La méthode « garder, laisser, essayer »

Pour rendre le changement moins abstrait, prenez une feuille et faites trois courtes listes. Écrivez des éléments concrets, liés à votre situation, sans chercher la réponse parfaite.

01 · CE QUE JE GARDE

Une compétence, une relation, une valeur, une habitude ou une expérience que vous voulez emporter.

02 · CE QUE JE LAISSE

Une attente extérieure, une façon de faire qui vous épuise ou un objectif qui ne vous appartient plus.

03 · CE QUE J’ESSAIE

Une conversation, une recherche, une visite, une formation courte ou une heure consacrée à une autre piste.

5. Une direction peut se préciser en avançant

La période entre l’ancien cap et le nouveau peut sembler floue. Vous savez parfois mieux ce que vous ne voulez plus que ce que vous voulez exactement. Ce manque de certitude n’invalide pas votre intuition ; il signale que vous avez encore besoin d’informations et d’expériences.

Avant une décision lourde, cherchez un essai de petite taille : parler à une personne qui connaît le domaine envisagé, assister à un événement, tester un projet sur quelques heures ou explorer une possibilité concrète. Un essai ne vous oblige pas à tout changer. Il vous donne de quoi décider avec plus de réalité et moins de projections.

6. Faire un premier pas cette semaine

Une nouvelle direction commence rarement par une transformation spectaculaire. Elle commence par une action assez précise pour être réalisée. Choisissez un pas de vingt minutes, puis donnez-lui une place dans votre agenda.

Décidez quoi faire : « Je contacte une personne », plutôt que « je réfléchis à ma vie ».
Fixez quand et où : « Mardi à 18 h, à mon bureau ».
Définissez le résultat attendu : un message envoyé, trois pistes notées ou un rendez-vous demandé.

Les plans formulés sous la forme « si telle situation se présente, alors je ferai telle action » ont été étudiés comme moyen de rapprocher intention et action par Peter Gollwitzer. L’idée ici est simple : rendre votre prochain geste facile à identifier, même lorsque la motivation fluctue.

LA BANDE-SON NEW KG

Changer de cap : la playlist Motivation

Une sélection musicale pour accompagner le moment où vous faites le point, gardez l’essentiel et choisissez votre prochain mouvement. Lancez la playlist, puis avancez à votre rythme.

Ouvrir la playlist sur Spotify →

Changer de direction : les questions fréquentes

Faut-il être certain avant de changer de cap ?

Une certitude totale est rare. Cherchez plutôt ce que vous savez déjà, ce qu’il vous manque pour décider et quel essai raisonnable peut vous apporter une réponse. Pour une décision importante, prenez le temps d’évaluer aussi ses conséquences pratiques.

Comment ne pas avoir l’impression d’avoir perdu du temps ?

Faites l’inventaire de ce que la période vous a appris. Une expérience peut avoir été utile sans devoir durer toujours. Le fait de changer maintenant ne retire pas sa valeur à ce que vous avez vécu.

Que faire si mon entourage ne comprend pas ?

Expliquez ce qui a changé pour vous et le premier pas que vous comptez tester. Vous n’êtes pas obligé de défendre un plan complet alors que vous explorez encore. Une conversation claire peut être plus utile qu’une promesse de tout réussir immédiatement.

À FAIRE AVANT DEMAIN

Votre défi des prochaines 24 heures

Écrivez trois phrases, sans chercher à les rendre parfaites :

Je garde… une force ou une expérience de mon parcours.
Je laisse… une attente qui ne m’aide plus.
J’essaie… un petit geste concret cette semaine.

Puis bloquez vingt minutes pour accomplir ce geste. Au terme de ces vingt minutes, vous n’aurez peut-être pas toutes les réponses ; vous aurez une information de plus pour choisir la suite.

Et vous, vers quoi avez-vous envie d’aller ? Partagez votre premier pas en commentaire.

Vous n’avez pas besoin de recommencer votre histoire. Vous pouvez en écrire la suite autrement, un choix et un pas à la fois.

27 septembre 202624 octobre 2026 Christy Focus musique|Interview|Musique

LAAZY : de Reims à BIG L, le parcours d’un artiste qui refuse les cases

NEW KG • EST-CE QUE TU ME CONNAIS ?

Portrait • LAAZY

LAAZY : construire sa voie sans jamais entrer dans une seule case

Rap, R&B, chant, expérimentation, scène, entrepreneuriat culturel :
depuis Reims, LAAZY construit un parcours qui refuse les frontières trop simples.
De SoundCloud à SIO 2, de BIG L à MUCHLUV,
il raconte à NEW KG comment sa vie est progressivement devenue
la matière première de son œuvre.

Avant LAAZY

Chez LAAZY, il n’y a jamais eu une seule musique.
Il y en a eu plusieurs, très tôt :
variété francophone, rumba congolaise,
musiques centrafricaines, hip-hop,
rock, métal, électro, indie ou encore house.
Un mélange absorbé au fil d’une famille
où chacun apportait ses propres références.

01 • Reims, la famille et les premiers textes

Grandir dans un brassage musical permanent

Son premier rapport à la musique passe par sa famille.
Ses parents écoutent de la variété française et francophone,
mais également de la rumba congolaise avec des noms comme
Extra Musica, Papa Wemba ou Koffi Olomide,
ainsi que des titres centrafricains.

Dernier d’une fratrie, LAAZY se décrit comme
« le bout de l’entonnoir » :
celui qui reçoit les influences de tout le monde.

Ses frères et sa sœur élargissent encore le spectre.
Hip-hop, R&B, soul, pop, électro, métal,
rock indépendant, folk ou musique expérimentale :
à l’époque de MCM, MTV, des premiers MP3,
d’Emule et de LimeWire, LAAZY absorbe tout.

“

Ma source était déjà riche.

L’écriture apparaît elle aussi très tôt.
Il raconte sa vie sur Word dès l’enfance,
écrit des poèmes au collège,
expérimente ses premières confrontations rap dans la cour
puis écrit son premier véritable texte au lycée.

C’est à ce moment-là que LAAZY naît.

SoundCloud : apprendre sans être attendu

Avant même de publier ses propres titres,
LAAZY expérimente avec son frère
Kuroi Payne.
Guitare, refrains, harmonies et premiers enregistrements :
sa voix finit par apparaître sur SoundCloud.

Quelques années plus tard,
il publie ses premiers morceaux seul.
Puis arrive « Alien ».

Sans préparation ni campagne,
le morceau dépasse les 10 000 écoutes.
Une première démonstration que sa musique
peut voyager bien au-delà de son environnement immédiat.

« J’ai compris que ma musique pouvait toucher le plus grand nombre
même si j’étais dans une petite ville de province
et que peu importe ce que je pouvais proposer,
c’est l’authenticité de la proposition qui serait retenue. »

SoundCloud devient un laboratoire :
un espace pour publier,
tester,
recommencer
et créer sans devoir répondre aux attentes d’une industrie.

02 • Le déclic

Carto Blaster : quand la passion devient un projet

En 2017, le dispositif Carto Blaster,
porté par La Cartonnerie à Reims,
marque un tournant.

Déjà repéré localement,
LAAZY devient lauréat du dispositif.
L’accompagnement lui permet de mieux comprendre
le démarchage des médias,
celui des salles,
certains aspects techniques,
mais aussi d’accéder à de nouvelles scènes.

C’est surtout à ce moment
qu’il prend conscience de son rapport au live.

« J’ai compris que je voulais faire ça toute ma vie. »

Dans le public, certaines personnes connaissent déjà ses paroles.
D’autres les reprennent rapidement.
Cette énergie va progressivement modifier
sa manière de penser ses morceaux.

Une part importante de sa musique est désormais également conçue
avec la scène en tête.

03 • Construire LAAZY

Le problème n’était pas de choisir entre rapper et chanter

Aujourd’hui, mélanger chant et rap semble presque naturel.
Lorsque LAAZY commence pourtant à développer son projet,
cette polyvalence est moins facilement comprise.

Ses influences sont trop nombreuses
pour qu’il accepte de se limiter à une discipline.
Il apprend à chanter tout en apprenant à rapper.

Au début, cette liberté lui est régulièrement reprochée.

Il affine alors son écriture,
améliore sa technique,
expérimente différentes directions
et finit par trouver une forme
où chant et rap peuvent réellement cohabiter.

La vraie bascule

« Satisfaire les autres avant moi dans mon art,
ce n’est pas la direction que j’ai souhaité prendre. »

Une discographie comme mémoire de vie

Pour comprendre les changements de LAAZY,
il faut regarder ses projets
comme autant de photographies de périodes vécues.

MADNESS — la dépression.

Summer Is Over — la mélancolie d’une vie appréciée mais passée.

RED MOON — le cri de l’ego et l’appel de la scène.

BLUE LAGOON — le point de départ d’un éveil.

BUBBLE — l’expérimentation.

Days Before Starlight — le tunnel du flow.

BUBBLE II — la purge, la mise à nu.

Ses projets deviennent ainsi des mémoires musicales :
des archives de périodes qui participent toutes
à construire autant l’individu que l’artiste.

Écouter LAAZY

Entrez dans sa discographie

De ses premières expérimentations à SIO 2,
découvrez les projets qui racontent les différentes étapes de son parcours.

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04 • BIG L

Celui qui ne perd jamais

Avec Days Before Starlight,
une nouvelle facette apparaît :
BIG L.

Pas simplement un personnage.
Plutôt une version de lui-même
capable d’exprimer plus frontalement
ce que LAAZY retenait encore.

BIG L est celui qui en a assez
de ne pas être entendu,
vu ou reconnu à sa juste valeur.

C’est aussi celui qui refuse d’abandonner
lorsque les résultats n’arrivent pas immédiatement.

« Celui qui ne baisse pas les bras quand le résultat escompté n’arrive pas,
qui considère que la répétition est la cousine de la réussite. »

BIG L devient même son identité sur les réseaux :
une manière de ne pas oublier
qui il est
et ce qu’il veut montrer au monde.

Déconstruire pour continuer

Son arrivée à Paris ouvre pourtant une période
beaucoup plus complexe.

Départ du foyer familial,
construction d’une vie à deux,
arbitrages financiers,
projet musical et manque de connexions directes
avec les grands médias :
LAAZY doit repenser son rapport à la musique.

Il fréquente des artistes,
des événements
et certains acteurs de l’industrie,
tout en ayant parfois l’impression
de ne pas appartenir totalement au « club ».

« Ne pas faire de musique, c’est comme ne pas respirer. »

05 • Summer Is Over 2

De la douleur à la nostalgie

En 2019, le premier Summer Is Over
naît dans une période de rupture.

LAAZY sort d’une longue relation,
mais également d’une période dépressive.
À 21 ans, il ressent davantage le besoin de dire
que celui d’être compris.

Lorsqu’il revient à cet univers avec
SIO 2,
la temporalité a changé.

Il ne crée plus uniquement par nécessité.
Il prend le temps de faire mûrir le projet,
de concentrer ses intentions
et d’aller à l’essentiel.

« J’ai vécu pleinement des années qui ont filé comme un voyage
et dont le souvenir subsiste dans la nostalgie
et plus dans la douleur. »

Le projet reste profondément lié
à l’introspection,
la spiritualité,
la mémoire
et la manière dont le temps transforme la douleur en souvenir.

À voir

Découvrez le dernier clip de LAAZY

Une autre porte d’entrée dans son univers musical et visuel.

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Voir le clip sur YouTube

06 • Connexion avant collaboration

Avec Mak Kitah, l’humain vient avant le featuring

LAAZY fait peu de collaborations.

Avec Mak Kitah,
présent notamment sur « Carry On »,
la relation dépasse largement la musique.

Il le décrit comme un frère,
une source de joie,
une inspiration
et le premier artiste MUCHLUV.

« Ce qui fait la vraie connexion artistique,
c’est la connexion humaine au-delà de la musique elle-même. »

Une collaboration prend davantage de sens
lorsqu’elle repose sur des valeurs communes,
de l’estime,
une véritable connexion
et l’envie de partager un moment.

Écrire moins, mais avec davantage d’intention

Son rapport à l’écriture évolue également.

LAAZY confie écrire de moins en moins
et développer une nouvelle manière
de rapper plus intentionnellement.

Il continue néanmoins de vouloir
raconter,
créer une atmosphère
et provoquer une émotion.

07 • Au-delà de l’artiste

LAAZY n’est plus seulement un artiste : c’est un projet

Comment faire cohabiter création,
événements,
organisation
et développement culturel ?

Sa réponse tient en trois verbes :
s’organiser, s’entourer et déléguer.

Organisateur depuis 2017,
il a progressivement appris
à identifier les compétences,
les rôles
et les personnes nécessaires autour de lui.

« Celui qui dit qu’on se fait tout seul a menti.
On a besoin les uns des autres. »

LAAZY considère désormais son identité
comme un projet complet,
dont chaque facette doit avoir
sa propre organisation en coulisses.

08 • Construire autrement

Pour les indépendants, créer une vraie communauté

Lorsqu’on lui demande ce qui manque encore
aux artistes indépendants,
LAAZY pointe d’abord la nécessité
d’un esprit de communauté plus fort.

Il appelle également à davantage d’acteurs
réellement investis dans le développement des artistes,
mais aussi à une meilleure compréhension
des aspects administratifs et professionnels du métier.

Pour lui, le terme « indépendant »
recouvre aujourd’hui des réalités extrêmement différentes :
artistes débutants,
projets hors labels
ou simplement personnes souhaitant construire leur carrière autrement.

LAAZY défend également une meilleure transmission entre générations :
partager davantage les informations,
les codes,
les expériences
et les connaissances pour aider les artistes à construire
des parcours plus durables.

Dans cinq ans

Un label, un festival… et la Centrafrique

Lorsque LAAZY se projette dans cinq ans,
ses ambitions dépassent sa seule carrière personnelle.

Ouvrir son label.
Développer son festival.
Organiser des événements culturels et musicaux
partout en France et à l’étranger.
Et créer en Centrafrique
un environnement permettant à davantage de talents
de développer leurs projets.

Conclusion

Ne pas choisir entre les différentes versions de soi

Pendant longtemps,
la polyvalence de LAAZY a pu sembler difficile à classer.

Avec le recul,
c’est précisément cette impossibilité de choisir
entre plusieurs influences,
plusieurs façons de créer
et plusieurs rôles
qui raconte le mieux son parcours.

Il y a l’enfant nourri de rumba congolaise,
de variété,
de rock et de hip-hop.
Le lycéen qui écrit ses premiers textes.
Le jeune artiste qui expérimente sur SoundCloud.
Le performeur révélé par Carto Blaster.
LAAZY.
BIG L.
L’organisateur.
L’entrepreneur culturel.

Derrière toutes ces versions,
une même idée persiste :
continuer d’avancer
même lorsque la reconnaissance n’arrive pas immédiatement.

La vision de LAAZY

« Rendre au berceau du monde
ce qu’il nous a apporté. »

NEW KG • Est-ce que tu me connais ?

Derrière LAAZY, combien de versions d’un même artiste reste-t-il encore à découvrir ?

Un parcours où chaque projet devient une archive de vie,
chaque évolution une nouvelle possibilité
et chaque détour une manière supplémentaire
de construire sa propre voie.

◎

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1. Accueillir la déception après un refus

2. Séparer les faits du jugement que l’on porte sur soi

3. Demander un retour utile et choisir ce que l’on ajuste

4. Rebondir à son rythme avec un prochain pas réaliste

La playlist Spotify NEW KG pour prolonger l’écoute

Reprendre la main sur une étape, dès cette semaine

Quand la guitare devient un refuge

Apprendre seule, pour s’approprier l’instrument

Nottingham : le choc électrique

La rigueur pour atteindre la vision

Entre la France des mots et le Royaume-Uni du lâcher-prise

Une playlist entre guitares, reliefs pop et souffle océanique

Habiller le morceau sans l’étouffer

D’abord une intention, puis l’élan

De « Flemme » à « Following the Waves »

Grandir sans se trahir

Supersonic, Les Disquaires… et le lien avec le public

Rester fidèle à l’élan des débuts

Une artiste guidée par l’instinct, portée par le mouvement

Après ces vagues, ces villes et ces chansons… est-ce qu’on connaît vraiment Deylise ?

Chercher, construire, réguler

Avant la scène : les VHS familiales

Le détour qui change tout

Avant Melting Crew, plusieurs années à apprendre le terrain

Réunir ce que les scènes séparaient encore

Tendre la main aux talents de demain

Et pourtant, le projet a failli s’arrêter

Quand le voyage élargit le projet

Melting Crew après le portrait NEW KG de 2017

Le talent ne remplace jamais le travail

Les réseaux ne remplacent pas la scène

Encourager ne veut pas dire tout valider

Une culture où le live se construit à plusieurs

Quand les formats de concert changent

Quand celui qui construit pour les autres doit penser à lui

Une génération afro-urbaine

Du danseur au passeur

Après toutes ces années à révéler les autres… est-ce qu’on connaît vraiment Afouz ?

Quand arrêter devient la preuve qu’il faut continuer

Positif dès les premiers textes

Quand la musique change, toute la chaîne change avec elle

Durer ne veut pas dire rester immobile

Sunday School : une autre architecture musicale

Continuer implique parfois de réapprendre

La passion avant les chiffres

Entrez dans la Tiemosphère

La production donne souvent le premier mouvement

Parler de ses origines : l’évidence la plus difficile

Mettre davantage de lumière après une période difficile

Les différentes versions de Tiemoko

« Longévité » regarde le chemin. « Summer Watts » continue d’avancer.

« Pourquoi tu fais de la musique ? »

La longévité n’est pas le nombre d’années. C’est ce qui reste intact.

Après toutes ces années… est-ce qu’on connaît vraiment Tiemoko ?

MARWA LOUD PIM-POM

Une nouvelle énergie, entre bouyon et affirmation de soi

Marwa Loud poursuit son évolution musicale

DÉCOUVREZ LE CLIP

Un nouveau chapitre à suivre

1. Musiques traditionnelles grecques : écouter les territoires

2. Le rebétiko : une mémoire urbaine et populaire

3. Laïkó et éntekhno : quand la chanson rencontre la poésie

4. Grandes voix grecques : l’interprétation comme transmission

5. Pop grecque actuelle : des héritages qui changent de forme

Marina Satti : faire circuler les références

Σtella : une autre entrée dans la pop grecque

6. NEW KG Discovery : Evita Manji et les horizons électroniques

7. La playlist Spotify NEW KG : Grèce — Racines & horizons

Les 20 titres de la sélection

Pour commencer : trois écoutes, trois découvertes

Sources & repères pour approfondir

La rumba congolaise, patrimoine vivant des deux Congo

Un aller-retour musical entre Afrique centrale et Caraïbes

Orchestres, indépendances et rayonnement africain

La rumba comme chronique sentimentale et sociale

Brazzaville, une rive indispensable à l’histoire de la rumba

Les femmes ne sont pas une note de bas de page

Rumba, soukous, sebene et ndombolo : ne plus tout confondre

La playlist NEW KG : 22 rumbas pour traverser les générations

Écouter la rumba, c’est écouter une histoire en mouvement

MARWA LOUD
PIM-POM